Latinamericalandya

BIOPIC SOBRE MARTIN LUTHER KING

2009-05-19T10:00:00.002-05:00

Cuidao porque no va a dirigir Spielberg, pero Spielberg va a decidir sobre el desarrollo del film. Y todos sabemos que a este señor le gustan las cosas sencillitas. Pero que todo lo bueno está ahí: Martin Luther King fue una de las figuras más importantes de la historia de Estados Unidos, uno de los mayores promotores de la igualdad racial y tristemente asesinado a la edad de 39 años en Memphis.

Este se trata del primer proyecto autorizado sobre King por los herederos del fallecido, y que han concedido a Spielberg todos los derechos sobre la propiedad intelectual del reverendo, incluyendo el famoso discurso “Tengo un sueño” proclamado en 1963.

“Nos honra que King Estate nos haya dado la oportunidad para contar la historia de estos eventos históricos”, declaró Spielberg. “Esperamos que el poder creativo del film y el impacto de la vida del Dr. King se combinen para presentarnos una historia con una fuerza innegable de la que todos podamos estar orgullosos”, añadió en un comunicado recogido por Variety.

¿QUÉ ES UN INTELECTUAL COMPROMETIDO?

2009-05-19T09:47:00.003-05:00

tomado de boulesis

Sobre la implicación social de artistas, escritores, actores... "intelectuales" en general

Hoy que se fue Mario Benedetti, más de un medio de comunicación está utilizando la expresión “poeta del compromiso” o “poeta comprometido” para definirle. Uno de los mayores logros de Benedetti fue, en mi opinión, el de acercar la poesía a todos. En cierta forma, era un poeta universal, que gozaba de cierto reconocimiento en círculos alejados de la poesía. Con todo, no pretendo escribir hoy ninguna elegía, pero sí reflexionar en torno a ese calificativo del compromiso. Este sustantivo solía asociarse a las personas que se involucraban activamente en asociaciones de tipo social o reivindicativo. El compromiso parece llevarno inmediatamente al campo de la “acción”: está comprometido el que hace algo, el que se mueve. El compromiso, en definitiva, denota cierta promesa, cierta identificación ideológica (de uno u otro signo) y cierta inquietud. El compromiso es movimiento. Tradicionalmente se pensó, quizás por cierto prejuicio marxista, que el intelectual no podía vivir coprometido. La actividad del mundo de la cultura no guardaba relación con la acción: hasta que emergió la figura del “intelectual comprometido”.

El concepto suele asociarse a Sartre, aunque ciertamente hay precedentes en la historia francesa, como por ejemplo elcaso Dreyfus. Da la sensación de que los franceses, por cultura o tradición, son un pueblo particularmente reivindicativo y combativo: si en algún lugar de la tierra tenía que emerger esta figura era Francia. Desde autores como Zola o Sartre, la expresión ha cuajado y ha gozado de cierto éxito allá donde se ha empleado. Se habla de “los intelectuales” y su compromiso, su involucración en cuestiones sociales y políticas. Ahí están, al pie del cañón, como el líder más rebelde de cualquier sindicato. Con todo, se mezclan intereses que oscurecen el significado de la expresión: ¿Quién es el intelectual comprometido? El compromiso nos remite a un objeto: si un intelectual ha de comprometerse, necesariamente lo hará hacia algo o con algo. ¿Con qué o a qué se compromete el intelectual en los tiempos que corren?

Utilizar el adjetivo comprometido cuando hay “intelectuales” que han proclamado el fin de las ideologías es complicado: no faltan los que afirman que igual da derechas que izquierdas: salvo cuatro medidas de orden secundario (”estéticas”), los principales partidos sirven a una democracia neoliberal y capitalista. ¿De dónde nace entonces el compromiso? ¿De dónde la protesta? Hemos visto asociaciones varias en diversas manifestaciones a las que se ha querido caracterizar de “políticas”. Manifestaciones contra la guerra, a favor del canon, en contra y a favor del aborto… No hay divisa que se precie con no busque su “intelectual comprometido”, su adalid y valedor, representante en el ampuloso mundo de la cultura. Y todo con un pequeño matiz: la falta de coherencia y de reflexión profunda. Algunso artistas millonarios defienden el canon, mientras los grupos que están comenzando aprovechan la red para promocionarse. Los convencidos pacifistas protestan contra la guerra, pero rara vez condenan el terrorismo, cuando las bandas que lo ejecutan pueden “comprometerle” personalmente. La progresía intelectual defiende medidas y valores que ni practica ni le afectan, con tal de mantenerse en la órbita del partido y el gobierno. Esto lleva ocurriendo desde hace décadas: ¿Responder al perfil del intelectual comprometido? A saber qué diría el bueno de Benedetti…

CANON A LOS RECIENACIDOS

2009-05-19T09:39:00.001-05:00

tomado de Ciencia15

Han coincidido en mi vida dos hechos totalmente dispares, pero que su ocurrencia a la vez me han hecho pensar.

Por un lado, una compañera de trabajo acaba de ser madre. Por otro, en Francia se ha aprobado la «ley Sarkozi» de cortar Internet tras tres avisos y sin sentencia judicial a los «piratas».

Y acabo de recordar nuestra ley de Propiedad Intelectual que hace que tengamos que pagar un canon por todo soporte o equipo que sea capaz de almacenar obras que puedan tener Copyright. No por almacenarlas sino por tener la capacidad de hacerlo.

Y he pensado en el recién nacido. Dentro de unos años en la guardería y después en el colegio le obligarán a aprender y recordar material protegido por Derechos de Autor. Cuanto mejor lo haga, mejores notas.

Tendrá que aprender cosas de los libros de texto (almacenarlo) y tendrá que ser capaz de reescribirlo en los exámenes escritos o de reproducirlo verbalmente... Y los libros tienen Copyright.

Creo que en aplicación estricta de la ley deberían cobrar un canon a los padres que traen al mundo una criatura capaz de almacenar y de reproducir material protegido por los derechos de autor... Y también tendrían que cobrarlo por cada examen, pues en ellos, seguro que la criatura reproduce materiales protegidos por derechos de autor... Y si un compañero de clase ayuda a otro a aprender ciertos temas también tendría que pagar un canon... Y si...

Además, a los empollones habría que cobrarles un canon más alto, pues almacenan muchas más cosas que los demás...

Me está entrando un cierto escalofrío: ¿La educación no es un fomento de la piratería? ¿No estamos fomentando que los niños almacenen material con Copyright?

LOS ÚLTIMOS VERSOS DE BENEDETTI

2009-05-19T09:10:00.002-05:00

LIBROS
Quiero quedarme en medio de los libros
vibrar con Roque Dalton con
Vallejo y Quiroga
ser una de sus páginas
la más inolvidable
y desde allí juzgar al pobre mundo
no pretendo que nadie me encuaderne
quiero pensar en rústica
con las pupilas verdes de la memoria franca
en el breviario de la noche en vilo
mi abecedario de los sentimientos
sabe posarse en mis queridos nombres
me siento cómodo entre tantas hojas
con adverbios que son revelaciones
sílabas que me piden un socorro
adjetivos que parecen juguetes
quiero quedarme en medio de los libros
en ellos he aprendido a dar mis pasos
a convivir con mañas y soplidos vitales
a comprender lo que crearon otros
y a ser por fin este poco que soy

ENTRE DOS VACÍOS
Si uno piensa en la nada que lo precedió
no puede evitar un desasosiego que nos va cortando tajadas de vida
no es fácil concebir dónde estarán los insomnios
las lágrimas los goces
todo eso que estuvo en nuestras manos
y que creímos era para siempre
al fin comprendimos que la eternidad era una rendija entre dos sombras
todo se va pero no siempre vuelve
abracemos eso que tuvimos y que acaso tenemos todavía
miro hacia atrás y poco veo miro
hacia delante y es la niebla
admito que estoy entre dos vacíos
con prudencia marco bien las huellas por donde regresaré
con mi nostalgia pondré atención porque el paisaje es mío
y yo quiero viajar con mi paisaje

SERRAT CANTA A BENEDETTI

2009-05-18T23:51:00.001-05:00

Sigo con mi Obituario al poeta de mi juventud
Pero con este post mato dos pájaros de un tiro.
Seguro que algún día repetimos algún poema de Benedetti caminando por el Vedado...
Eso siempre será una fiesta descifrarlo.....
LaVeitía

LUNES DE REVOLUCIÓN: DEL MITO A LA REALIDAD

2009-05-17T21:34:00.002-05:00

tomado el enlace del Blog eichikawa

Entrevista a Pablo Armando Fernández

Por Ivette Fernández Sosa

Confieso que fui a casa de Pablo Armando Fernández en busca de una receta: la que llevó a Lunes de Revolución a ser considerado el suplemento cultural más importante de Latinoamérica durante las últimas cinco décadas. Cada vez que creía tener la respuesta nuevas cuestiones salían a la luz, y es que hay ciertos fenómenos que se escapan de las categorías y las fórmulas. Coincidencias coyunturales, imaginación y otros elementos aderezaron la historia de Lunes..., sin embargo, la misión de los grandes fenómenos es, también, engendrar grandes mitos.

Lunes de Revolución, tabloide semanal del periódico Revolución, nació el 23 de marzo de 1959. Bajo la impronta de Carlos Franqui y Guillermo Cabrera Infante, prontamente acunó otros proyectos que incluirían un espacio televisivo, una editora, una compañía grabadora... Sus ambiciones eran las de divulgar toda la buena literatura que se hacía en el mundo, sin olvidar cualquier otra manifestación del arte que contribuyera a forjar el camino que estrenaba la nación cubana. Murió de manera prematura en noviembre de 1961 y ha dejado una estela difícil de sobrepasar, porque aun hurgando en sus detalles, sobre Lunes... todavía hay mucho que investigar.

Pablo Armando no cree ni en la suerte ni en la muerte, mas sí en el destino. Reconoce, sin embargo, que el suplemento fue un ejemplo de lo que puede hacerse cuando un evento es capaz de estremecer los destinos de millones de personas.

¿Cómo se vincula Pablo Armando al suplemento?

Fue Guillermo quien me hizo volver a Cuba, fue él quien me insistió en Nueva York, en abril de 1959. Ya yo había dado una vueltecita por acá, el 16 de enero, y a eso de un mes me fui. Después estuvo en marzo mi esposa y mi niña mayor, a ver a mi familia. Estábamos muy bien allí, pero Guillermito me insistió mucho durante una noche en casa en un viaje que él hizo con Carlos Franqui y otras personas más acompañando a Fidel Castro. Esa noche me habló de todos los esfuerzos que yo hice durante años para volver a Cuba, para vivir en Cuba en los años 50 cuando publiqué mi primer libro de poemas en el 53: Salterio y lamentación. Me convenció de que mi lugar estaba acá y no allá.

¿Cómo se decidían los temas que aparecerían? ¿Quién lo hacía?

Éramos un grupo bastante unido. Humberto Arenal, Calvert Casey, Antón Arrufat... Antón y yo trabajábamos mucho, sobretodo el cierre de los miércoles por la noche del número que se distribuiría el lunes siguiente. Lunes de Revolución siempre se hizo en grupo, siempre se seleccionó a alguien que dirigiera algunos números, por ejemplo, Carlos Fuentes, el gran escritor mexicano, se encargó del número dedicado a México, Juan Goitysolo se encargó del dedicado a la literatura española en el exilio, Humberto Arenal hizo un viaje a Puerto Rico para preparar el que se publicó sobre la literatura puertorriqueña, yo me encargué en Nueva York, en 1960, de la literatura negra en ese momento; así otros cubanos, como Antón Arrufat, Carlos Casey, Lisandro Otero, Edmundo Desnoes, Oscar Hurtado, se dedicaron a preparar números monográficos.

Nos reuníamos también con Virgilio Piñera, que se dedicó no solamente a números especiales, sino que, gracias a la sección “A partir de cero”, publicó a mucha gente que comenzó a darse a conocer en Lunes... y hoy en día son escritores conocidos. Nosotros organizábamos de esta manera los números, sin ningún antagonismo. Nos reuníamos en el saloncito que teníamos allí en el periódico, conversábamos y decidíamos, por ejemplo, que había que dedicarle un número a José Martí. ¿Quién se va a ocupar? Entonces alguien decía “yo”. Y así Lisandro Otero dijo “yo” a dos números de Hemingway. Rine Leal, otro de los contribuidores mayores, se encargaba de los números teatrales. Así ocurría continuamente con estas reuniones que eran muy plácidas, éramos muy libres, muy independientes, no aceptábamos ningún dogma ni ninguna secta. Diríamos que por razones familiares estábamos vinculados a gente de izquierda. Los padres de Guillermo eran militantes del Partido Comunista y su padre trabajaba en el periódico Hoy. Aunque yo había vivido en Estados Unidos desde 1945, provengo de una familia militante del Partido y también pesaban todas esas influencias de los medios en los que me movía cuando venía. Andaba con Harold Gramatges, conocía a Carlos Rafael Rodríguez, a Mirta Aguirre, a Juan Marinello...

Para ser un suplemento cultural Lunes... tuvo mucha influencia política y aun por textos de carácter literario. ¿Hay un compromiso obligado de la cultura para con la política? ¿Cómo funcionó en el caso específico de la publicación?

La política corresponde a la condición humana. Hablar de política desde un partido determinado, desde un dogma, desde una secta, no es lo que podía influirnos a nosotros. En el segundo número de Lunes... o en el tercero, se publica un editorial donde se dice que “no somos comunistas, pero tampoco somos anticomunistas...”

Se ha dicho que Lunes... era un suplemento similar a los magazines culturales franceses de finales de los 50 del siglo XX...

El formato se lo dio Jacques Brouté y es muy posible que como francés siguiese una línea determinada, pero también había suplementos literarios en Estados Unidos que tenían ese formato.

¿Cuál fue la receta capaz de llevarlo de 6 a 64 páginas y a una tirada de más de 200 000 ejemplares?

(Se sonríe) Ninguna. Fue creciendo de 6 páginas a 64 porque se fue convirtiendo en algo realmente serio que nos ponía en contacto con el mundo exterior y con lo que estaba dentro de nosotros. Se fue extendiendo naturalmente, no había nada determinado, ninguna influencia de nadie. Hay que decir que Lunes... era una invención de Carlos Franqui, director del periódico Revolución, quien ya había hecho antes, con Guillermo y otras personas más, un suplemento, un magazín, como le decían ellos.

¿Cómo logró una publicación tan joven granjearse la atención y colaboración de renombradas figuras de la cultura nacional y extranjera?

No éramos nosotros, era Cuba. Cuba iniciaba el primer gesto de amor que había ocurrido en cinco siglos en este continente. Nada semejante había pasado antes. Todavía no teníamos el desarrollo que nos ha dado un rostro y una voz que es la Educación y la Salud. Entonces tuvimos por acá a Jean Paul Sartre, a Pablo Neruda, se les dedicaban números específicos a ellos. Por aquí pasaron muchas de las personalidades más serias de nuestra cultura y nuestra literatura, artistas plásticos, músicos... Ellos tenían interés en venir a Cuba y nosotros hacíamos el movimiento adecuado para la invitación, que la hacía el periódico Revolución.

Tomado de una tesis de licenciatura de periodismo de la Facultad de Comunicación de La Habana: “El auge de Lunes de Revolución había alcanzado grado tal de connotación que estaba en otros medios públicos el primer día de la semana. De esta forma acuñó su “R” en espacios tales como, un programa nocturno en la televisión de igual nombre que el magazín, uno de radio, una compañía grabadora, Sonido Erre, y una editorial, Ediciones Erre, que junto con el semanario es la marca mayor dejada por las “R” en la cultura cubana. Desde entonces, no se conoce ninguna publicación nacional que en tan corto período de tiempo, haya alcanzado tan alto reconocimiento, ni tan agudo nivel de integralidad en la eficacia estética”. ¿Las ambiciones de Lunes... eran las de convertirse en un gran fenómeno cultural?

No creo que nosotros tuviéramos esa intención. Por esa misma época se creó el ICAIC, Casa de las Américas también comienza en abril de 1959. Estaban naciendo varias instituciones culturales.

Lunes... desaparece porque la persona que dirigía Cultura en ese momento en este país, dijo que la UNEAC tenía que hacer una gaceta y una revista y que los suplementos literarios iban a desaparecer. Esto era un empeño anterior, pues desde el año 59 Lunes... tuvo enemigos muy poderosos que quisieron eliminarlo. Pero tuvo también amigos muy, muy fieles, profundos. Y lo constatas cuando tú ves en Lunes de Revolución un número dedicado a las opiniones de algunas personalidades, y ahí está el Che Guevara, Fidel Castro, Haydee Santamaría...

William Luis, en un artículo titulado “Lunes de Revolución y la revolución de Lunes”, afirma: “Si los acontecimientos que se relacionan con la Revolución Cubana fueron necesarios para el desarrollo de la novela del Boom, Lunes de Revolución inicia dicho proceso y sus páginas se convierten en el vehículo que mejor expresa la literatura y la cultura cubanas en los inicios de los sesenta, reuniendo muchas de las características que se asociarían, más tarde, con el fenómeno literario del Boom”.

Yo no ligaría una cosa a la otra, porque el Boom es muy posterior… Lunes de Revolución desaparece el 6 de noviembre de 1961 y el Boom coge fuerza mucho más allá, cuando se publica la obra de Carlos Fuentes, Vargas Llosa, de Lezama Lima y de Julio Cortázar, incluyendo la de Cabrera Infante. Yo no vincularía a Lunes... con el Boom. A lo mejor lo tiene por otra circunstancia, por otros hechos, por la presencia de muchas de estas personalidades. Pero también está Casa de las Américas que comenzó su concurso literario en 1960 y Carlos Fuentes fue jurado y eso nos posibilitó a nosotros preparar un número sobre la literatura latinoamericana de ese momento.

Los grandes fenómenos a veces generan grandes mitos. ¿Alguna vez ha escuchado algo que no se corresponda con la realidad de la revista?

Sí. Continuamente escucho tonterías de algunos artículos que se publicaron, dos o tres, contra Orígenes. Hubo un artículo de Berros, que fue uno de los que iniciaron, pero cuando llegué en el mes de mayo o junio, ya Berros no estaba. Yo, por ejemplo, escribí una notica pequeña criticando la antología de Cintio Vitier de 1960. Pero Cintio colaboró con el número dedicado a Ballagas y ya se ha publicado un artículo contra Lo cubano en la poesía.

El otro día estábamos en una ciudad reunidos un grupo de poetas y uno habló de eso, de Lunes de Revolución contra los origenistas y yo dije “pare”. Escribió Enrique Berros una cosa y Fernández Bonilla escribió también un articulito sin mucha importancia. Lo mío fue específicamente sobre la antología de Cintio, porque me dolió que yo no estuviera allí, que no estuviéramos ninguno de nosotros, los de la generación del 50.

¿Entonces no hubo tal ruptura con los origenistas?

No. Lezama nunca dejó de colaborar con Lunes... Nunca me faltó. Siempre colaboró conmigo.

¿Es cierto que usted era el diplomático del grupo y el enviado de llevar acabo misiones delicadas, incluida la de pedir a Lezama que escribiera para Lunes…?

No creo que nadie lo pidiera. Estaba muy cercano a nosotros. Fue también Severo Sarduy quien dio la idea de dedicar un número a Ballagas.

En una entrevista concedida hace unos años, usted afirma: “Todas las semanas nosotros encontrábamos un enemigo: los comunistas o los anticomunistas. Los unos porque publicábamos a Trotzky, los otros porque publicábamos a Maiakovski”. ¿Qué otros obstáculos encontró Lunes...?

Realmente no fue un obstáculo porque nosotros no les hacíamos caso. Una de las cosas que aprendimos fue a no hacerles caso a la crítica de ninguna índole, ni a los que nos favorecían, ni a los que nos despreciaban, porque entonces habría que seguir una línea sectaria y nosotros queríamos andar plenamente libres, independientes. Nuestros postulados fundamentales eran publicar toda la literatura universal, en sus distintos aspectos.

¿Cuál fue el mayor acierto de Lunes...? ¿Qué le hizo —a su criterio— pasar exitosamente a la historia?

Precisamente eso, estar abierta a todas las voces, voces emancipadoras, voces en busca de un rostro con características propias dondequiera que estuvieran. Jean Paul Sartre era para nosotros una figura excepcional, como podía serlo Faulkner, o Borges, Octavio Paz, algunos que eran de izquierda habían pasado para la derecha, pero esas cosas nosotros no la considerábamos. También hubo espacio para los sucesos de Playa Girón en el 61, cuando Cuba se declara socialista. Yo quisiera que se hiciera una edición con todos los artículos de Virgilio Piñera, de Antón Arrufat, de Calvert Casey, de Guillermo Cabrera Infante, de Baragaño, de los demás, incluyéndome, en defensa de esta Revolución y que están en Lunes... Algunos editoriales son poderosos y muy fuertes y están hechos por nosotros, no por nadie del Partido.

¿A la postre estuvieron conformes? ¿Lunes... salió como ustedes querían que saliera?

Absolutamente. Nosotros nunca tuvimos una mano opresora o nadie que nos dirigiera. Nosotros hacíamos lo que queríamos. Éramos un grupo grande. La clave del éxito está en hacer lo que se quiere, cuando se quiere con amor. Tuvimos detrás de nosotros el gesto más importante de la historia de este continente con la Revolución Cubana y estábamos aquí por ella. En 1959, Fayad Jamís, Jaime Sarusky y otros estaban en París. Todavía por Nueva York andábamos Heberto Padilla, Edmundo Desnoes y yo. Roberto Fernández Retamar regresó en el 58 a Cuba y Antón Arrufat también. En Caracas estaba Pedro Oraá y Escardó en México. César López que estaba en España con Pepe Triana y Ambrosio Fornet. Verás ahí muchos de los Premios Nacionales de Literatura de este país.

Yo insisto en que hay una receta. Quizás se trate de hacer lo que se quiere contando con un grupo de personas con intereses comunes en torno a un evento de gran dimensión como la Revolución...

Y para eso teníamos que estar preparados, y no pensar que poseíamos todo el conocimiento y la cultura y el saber que tenemos hoy. Fueron momentos difíciles.

Sin embargo, a mí, en Estados Unidos, en dos grandes universidades y en la Biblioteca del Congreso, los elogios que me hicieron de Lunes de Revolución son para llorar.

Se ha dicho que en Lunes... la literatura no fue representada como una categoría estrecha y para una élite, sino que tenía implicaciones amplias para que estuviera al alcance del lector. ¿Considera usted que había para cubrir muchos gustos?

Claro. Además de la literatura hubo tres números dedicados a Playa Girón, uno dedicado a la Coubre, otro a la Agricultura cuando se hace la Ley de la Reforma Agraria. También hubo materiales para buscarse muchas enemistades, pero no nos vencieron. Nos vencieron cuando cerraron Lunes de Revolución y el pretexto fue crear la Unión de Artistas y Escritores de Cuba para seguir entonces una política dirigida.

¿Y la polémica que hubo con “11 p.m.”? ¿No tuvo que ver el cierre del suplemento con la presentación del documental realizado ese año por Sabá Cabrera Infante?

Eso fue después… La ruptura de Lunes... estaba ya programada. En 1960 se hacían reuniones algunos jueves para decir que había que unir a Hoy domingo y Lunes de Revolución, que teníamos que estar juntos y por esa base de unidad querían controlar la cultura de este país. Y eso hace posible que después del Congreso que acontece en agosto de 1961 se cierre Lunes..., en noviembre.

¿Por qué un periódico que salió algo más de dos años logró captar la atención de tanta gente por más de 50?

Porque ahí está todo. Todo lo que nos había precedido. Hay una visión de lo que estaba ocurriendo en el siglo XX desde la Revolución de Octubre, de 1917, hasta los días en que Cuba encontraba un camino hacia donde ir. Nosotros no despreciamos nunca a nadie. Estaban ahí, eran la historia de nuestra cultura universal en el siglo XX. Hasta su último número que está dedicado a Pablo Picasso.

¿Eso representó un símbolo?

Claro que sí. Claro que se lo dedicamos a Pablo Picasso porque sabíamos que Lunes... se iba a cerrar, y Picasso era un maestro, que nos había ofrecido hacer una paloma al aire para el monumento donde estuvo el águila imperial.

OBITUARIO A BENEDETTI

2009-05-17T21:06:00.001-05:00

Poema Corazón Coraza
de Mario Benedetti

Porque te tengo y no
porque te pienso
porque la noche está de ojos abiertos
porque la noche pasa y digo amor
porque has venido a recoger tu imagen
y eres mejor que todas tus imágenes
porque eres linda desde el pie hasta el alma
porque eres buena desde el alma a mí
porque te escondes dulce en el orgullo
pequeña y dulce
corazón coraza

porque eres mía
porque no eres mía
porque te miro y muero
y peor que muero
si no te miro amor
si no te miro

porque tú siempre existes dondequiera
pero existes mejor donde te quiero
porque tu boca es sangre
y tienes frío
tengo que amarte amor
tengo que amarte
aunque esta herida duela como dos
aunque te busque y no te encuentre
y aunque
la noche pase y yo te tenga
y no.

Jose LUIS BARBA Y DIANA FUENTES: TODO EL AMOR

2009-05-17T11:22:00.001-05:00

Dejo este tema de este nuevo disco llamado Cubanos idea de Jose Luis BarBa. Este es uno de los mejores temas. La voz de Diana es la voz de Diana. Ella era, fue, hasta hace muy poco vocalista de Síntesis. Carlos Alfonso sigue siendo un descubridor de voces inigualables. No dejen de escuchar también el tema con Lynn Milanés.... Son 17.... Este parece ser el Querido Pablo de Barba. Con algunos ajustes ojalá que se repita...Digo, al menos el concepto

AMAURY GUTIERREZ.... LLORANDO POR DENTRO

2009-05-17T10:13:00.001-05:00

Me parece una interpretación linda, MUY linda y tierna de Amaury.
Yo también me siento así, casi impotente y con el consuelo de llorar por dentro...
Disfrútalo...... y ustedes claro.... Ojalá la Habana volviese a poblarse de esas noches desgarradoras de bohemia

EL FUTURO DEL LIBRO Y LA LITERATURA

2009-05-16T12:26:00.004-05:00

tomado de nosololibros

NYT dedica hoy un artículo a analizar las formas emergentes de literatura. Por encima de la gran novedad de los dispositivos de lectura electrónica, se plantean más bien iniciativas de distintas empresas que experimentan con formas nuevas de literatura en los nuevos medios.

Encontramos el caso de Vook, creada por Bradley Inman que la define como una "amalgama digital". Propone libros que mezclan texto y multimedia (vídeos, por ejemplo). Actualmente Vook está en periodo de prueba -y presente en Twitter- con usuarios limitados, algunos de los cuales han comentado que es intrigante, pero que el reto consiste en lograr una transición de medios natural, sin que el "lector" se dé cuenta. Resulta curioso que precisamente hace unos días dedicábamos una entrada a Myebook, un sencillo autoeditor de ebook -libros, revistas- con inserción de audio, vídeo e imágenes.

Otra empresa, Fourth Story Media, ha comenzado Amanda Project, una serie de literatura juvenil -con aplicación para i-Phone- que permite a los lectores participar activamente en su desenvolvimiento creando personajes, resolviendo pistas, añadiendo imágenes...

Con estas innovaciones además pretenden suplir las carencias de la pantalla frente al papel, ofreciendo en la lectura electrónica formas de entretenimiento de ficción que no pueden darse en el papel.

Ya dijimos una vez que más que futuro simple del libro, estamos antes varios futuros, como el futuro del autor, cuyo papel también (todo papel) sin duda se verá remodelado. Los desarrollos ciberliterarios y la participación del público son suficientes para imaginar que más que editores, pronto habrá productores, y más que escritores, guionistas.

Esta nueva literatura es además una nueva literatura electrónica que pretende ser genuina, es decir, hecha expresamente para los nuevos dispositivos electrónicos. Justo lo que ya dijimos pretendía Penguin con We Tell Stories. Y naturalmente, las editoriales tradicionales o advenedizas no olvidan que los nativos digitales, los próximos consumidores de LIJ son los mejores candidatos.

Y ya llevamos formas muy variadas que hemos comentado en estas páginas (¿páginas?): cibernovelas, webnovelas, hiperliteratura... Y hemos acudido a argumentos de autoridad como los de Compagnon, que precisamente ve en la nueva literatura algo que nosotros denominaremos nueva ilustración -la ilustración literal, la de la imagen- y menos imaginación.

¿Alguna conclusión? Obvio que es demasiado pronto, sin embargo, podemos reafirmarnos en la idea de que hoy por hoy este tipo de literatura sigue siendo una forma marcada, y por tanto prontamente agotada por ser una forma intensa, pero no extensa de ficción verbal. Por ejemplo, la interacción, la posibilidad de intervención en la historia por parte del lector puede tener un fuerte efecto en las cualidades positivas de los videojuegos, pero no tanto en la literatura donde es muy fácil que afecte a la suspensión de incredulidad. Un lector puede encontrar entretenido o divertido influir en el final de la historia, pero a pesar de que el final que encuentre sea decepcionante, lo preferiría en la mayor parte de los casos (casos no marcados, los extensos) ya que existe la convención de que la historia es así, tal como se presenta, no tal como uno la inventaría. En cuanto a la mezcla de códigos (verbal, icónico, musical...) es cierto que se trata de una mezcla cada vez más usual y que probablemente se extienda progresivamente conforme los receptores se acostumbren. A pesar de ello, aún hoy el consumo y la preferencia de canales y mensajes separados advierte que el camino para alterar las costumbres puede ser más largo de lo que se cree. Los consumidores suelen ver con verdadero placer un libro pop-up, pero en absoluto, y por muy buenos que sean, piensan o reclaman que todos los libros tengan una versión de este tipo. Los libros pop-up físicos siguen siendo una opción marcada de publicación. Estas nuevas formas de literatura podrían ser igualmente formas nuevas, pero marcadas. Estos mismos consumidores son los que leen el libro por un lado y ven la película por otro y disfrutan de su comparación, habría que ver si disfrutarían igual de su mezcla. En textos informativos (revistas, libros de texto, artículos...) sí que estamos acostumbrados, los mismos blogs son muestra palpable de ello. Por contra, también tuvimos que hablar de los despejadores de pantalla -denominación no sé si bonita como dijera José Antonio Millán, pero sí descriptiva- de una utilidad que retira de nuestra vista todas las múltiples distracciones que la lectura en pantalla suele acarrear, lo cual demuestra que las mezclas no son siempre bien venidas.

En consecuencia, se trata de una literatura del futuro, pero no de un futuro de la literatura, que seguirá explorando formas nuevas y variaciones de las formas tradicionales.

No obstante, y dado que los nuevos medios producirán nuevos cambios, nada asegura que las formas marcadas puedan extenderse hasta hacerse no marcadas. Al respecto, conviene recordar que en lectura de libros NO existen aún nativos digitales y que habría que esperar decenas de años para saber los verdaderos efectos sobre una generación que naciera ya leyendo siempre en pantalla.

LA MECA EUROPEA DEL ARTE SE REINVENTA

2009-05-15T10:57:00.003-05:00

Academia de arte de Berlín

Por LAURA LUCCHINI (SOITU.ES)

BERLÍN (ALEMANIA).- Más grande, más caro y más sofisticado. Estos parecieron ser los imperativos del arte en Berlín a partir del 2000, cuando empezó la época de oro del mercado artístico en la ciudad, y las pequeñas galerías aparecieron como hongos por todos lados. Porque la capital alemana es una de las ciudades del mundo con más galerías de arte. Sin embargo, la crisis está cambiando los esquemas de este sector, y quizás no sólo para peor.

Surgen galerías que alquilan plazas a los artistas para que expongan sus obras y a cambio garantizan el 100% de las ganancias en caso de venta. Algunos se unen para alquilar espacios en los que exponen, trabajan y también promocionan a otros. Otras no existen físicamente en una dirección, sino que son itinerantes. Además, los 'experimentos' entran a los circuitos comerciales por la crisis también: falta dinero y hay que estar abierto a todo.

Tomemos un ejemplo. La Wir Gallery abrió hace tan sólo unas semanas bajo un pacto:nueve meses de alquiler gratis a cambio de las obras de reforma. "Tuvimos suerte de que el sitio estaba sin reformar y se nos ofrecía la posibilidad de experimentarlo sin arriesgar capital", explica Giulio Neri, arquitecto y diseñador. La idea de los cuatro miembros de esta joven asociación era la de tener un taller donde trabajar, que se financiara a través de una actividad artística, la de la galería. El espacio de escaparates que mira hacia la Boxhagener Strasse se presta a varias posibilidades: "Está abierto a gente que se propone o que invitamos", explica Giovanni Casu, pintor, "o también algún comisario artístico que quiera organizar una exposición y tiene presupuesto puede alquilar el sitio entero". La Wir Gallery también se financia a través de la organización de eventos, en los que se presentan algunas performance o cierran sus puertas con un concierto.

Según los expertos, se trata de una tendencia destinada a ir a más. Ahora se abren muchas alternativas para las marejadas de artistas de todo el mundo que vienen atraídos por Berlín y por la amplia oferta de espacios de bajo coste. Y es que lo interesante y realizable ya no depende solamente del gusto del galerista, sino también de la inventiva de los creadores.

Otro ejemplo. En Rent a Gallery (alquila una galería), en el barrio de Prenzlauerberg, se pueden arrendardesde un par de centímetros cuadrados hasta todo el espacio disponible, 170 metros. Por un cuadro de un metro de ancho, el artista debe pagar 99 euros al mes; por un metro y medio, 130, y por dos metros, 179. Todos los trámites se realizan a través de la página rent-a-gallery.com. Según contrato, en caso de venta de la obra, al artista le corresponde el 100% de su valor, es decir, no hay comisión.

También una peluquería puede ser un lugar de exposición de arte si se encuentra en la Ackerstrasse en Mitte. En Piso und Garz, un corte de pelo no es simplemente una "operación comercial impuesta por una sociedad que establece estereotipos de imagen", en palabras de las dos jóvenes dueñas (Piso y Garz), sino que es una performance artística en la que una acción diaria y común se abstrae y traslada a otro contexto, el del arte. En las paredes de este especial comercio cada mes se celebra una exposición monográfica distinta, de fotografía, pintura o escultura. La idea es poner en relación la belleza estética física y la del arte.

Con menos filosofía y más práctica, el Forgotten Bar —un espacio en Kreuzberg de tan sólo 15 metros cuadrados en el que cada día se extrena una expo distinta— ha sido celebrado por las revistas de arte alemanas por su poder "instantáneo", que a alguno les recuerda las vanguardias artísticas del principio del siglo XX.

Todavía más instantáneas y versátiles son las exposiciones de Schickeria Berlin, una galería sin sede fija. Da igual que se trate de una fábrica abandonada, de una tienda de frutas, una carnicería o un ex supermercado de la Alemania del Este, todo puede ser utilizado como espacio artístico. Schickeria Berlin invita a exponer a creadores conocidos junto a otros aún no tan vistos. El último lugar fue un lavadero de coches abandonado en la Strassburgerstrasse. Los visitantes se enteran por un mensaje de texto acerca de la nueva ubicación y los estrenos se celebran al ritmo de música electrónica con djs en directo.

Pero las iniciativas son muchísimas más de las que acabamos de describir. El visitante o inmigrante en Berlín lo que tiene que hacer es salir viernes y sábado a los lugares donde se concentran más galerías y empezar a preguntar y enterarse. Para la mayoría de los eventos no hace falta tener invitación. Se puede empezar por la Augustrasse, en Mitte, donde se concentran la mayoría de las galerías más institucionales, pero también muchas nuevas experimentales. Cambiando de barrio, hacia algo más alternativo, en la Boxhagenerstrasse, en Friedrichsein, también se agrupan muchas galerías como la Wir.

LOS TRISTES NO GANAN ELECCIONES

2009-05-14T09:31:00.002-05:00

Los tristes no ganan elecciones (Ni lideran, ni seducen, ni convencen)

Publicado en: Revista Fundació Rafael Campalans (Mayo 2009)

"En la mayoría de los hombres el intelecto es una máquina pesada, sombría, chirriante, que cuesta poner en marcha: cuando quieren trabajar y pensar bien con esta máquina, lo llaman ‘tomar en serio el asunto’ -¡Oh, cuán fastidioso tiene que serles el pensar bien! Tal como parece, la amada bestia hombre pierde el buen humor cada vez que piensa bien: ¡se pone ‘serio’! Y donde hay risa y alegría el pensamiento no vale nada’ -así suena el prejuicio de esta bestia seria en contra de toda ‘ciencia jovial’.-¡Pues bien! ¡Mostremos que es un prejuicio!”. Friedrich Nietzsche. La gaya ciencia.

La risa, esencialmente humana A lo largo de la Historia, la risa, y su relación con la salud, la moral, la religión o la inteligencia, ha formado parte de las preocupaciones filosóficas y científicas de los pensadores más importantes de nuestro bagaje cultural. Galeno (129-199 DC) -quien fuera médico del emperador Marco Aurelio- describió, por ejemplo, centenares de dolencias y curaciones y, entre otros remedios, comprobó que no hay mejor medicina que la risa. En una ocasión, fue requerido para tratar a la mujer de un aristócrata romano, tras los reiterados fracasos de su doctor habitual que le había estado administrando hierbas para tratar un supuesto mal orgánico.

Galeno le cogió la muñeca y mientras sentía su pulso casualmente mencionó el nombre de un actor con el cual se relacionaba a la mujer en los chismorreos romanos. Al oír su nombre, inmediatamente el pulso saltó. Entonces Galeno se agachó y le susurró algo al oído que la hizo estallar en una prolongada carcajada. La risa fue el inicio de su curación y es uno de los primeros ejemplos documentados del tratamiento psiquiátrico de enfermedades psicosomáticas. La risa mejora la autoestima y la confianza; ayuda a desinhibirte y aleja el temor; libera endorfinas que son las hormonas responsables de la sensación de bienestar, oxitocina (responsable del placer sexual) y adrenalina, bajando los niveles de hipertensión y estrés; mejora las digestiones rebajando el nivel de colesterol; y, finalmente, es un masaje cardíaco natural de efectos terapéuticos.

Platón y Aristóteles también trataron la cuestión, desde posturas opuestas. El primero consideraba la risa un placer y la reconocía como un remedio medicinal pero, a la vez, afirmaba que era peligrosa porque era de locos, bufones, viles o esclavos. En general, consideraba las manifestaciones jocosas como armas subversivas, extremadamente peligrosas para el poder. En sus obras Filebo o La República escribió: “No será admitida, por tanto, ninguna obra en que aparezcan personas de calidad dominadas por la risa, y menos todavía si son dioses”. Veía la risa desatada - la carcajada- como algo inconveniente, obsceno, perturbador. Capaz de dominar, como el demonio, la mente y el cuerpo humanos. Aristóteles, afirmaba la naturaleza radicalmente humana de la risa (”el hombre es el único animal que ríe”) y se mostraba favorable a ella, alejándose de la severidad y la prevención de Platón, cuando se produce “en su justa medida”, como resultado del ingenio, de la ironía; cuando divierte y genera simpatía tanto en la vida social (ética), en la vida política (política y retórica) o en la vida artística (poética).

Siglos más tarde, Nietzsche, en su obra “Así habló Zaratustra” aseguraba que “el hombre sufre tan terriblemente en el mundo que se ha visto obligado a inventar la risa“. Nietzsche reflexiona sobre el superhombre, considerando la muerte de Dios un requisito previo a su concepción. Como hiciera antes en su libro La gaya ciencia, escribe la famosa frase: “Dios ha muerto”. De nuevo, la risa es parte de la rebelión del hombre propietario de su destino frente a lo divino que lo determina.

Umberto Eco, en El nombre de la rosa, escribe sobre ella, reconstruyendo, con gran belleza literaria, una discusión entre William de Baskerville y Jorge de Burgos, el ciego guardián de la fe y la ortodoxia del monasterio, donde se afirma que la risa es “un viento diabólico”. “Cristo nunca rió” asegura el anciano como argumento de peso, “ya que no lo dice ningún texto de los Evangelios” (aunque tampoco niega que lo hiciera). El franciscano reivindica la risa como parte de la naturaleza humana y del camino hacia la verdad. La discusión se zanja con autoridad y agresividad por parte de Jorge de Burgos cuando el debate le supera gracias a la fina ironía y la inteligencia del que -precisamente- sonríe… La risa, el humor, como apunta David de Ugarte, se dibuja en la obra de Umberto Eco como “subversiva al poder”.

La sonrisa y risa políticas La risa es la aliada natural de la política emocional, la política del futuro. Ha sido protagonista -también- en la gira diplomática de Hillary Clinton por distintos países y en la gira europea del presidente Barack Obama que exhibe su fortaleza moral y política con la seducción de su amplia sonrisa y su sentido del humor. Es el poder inteligente, el “smart power”. El poder inteligente sonríe; no amenaza. Así se ganan las nuevas batallas. Nada que ver con los graciosos machistas, misóginos, homófobos o racistas, modelo Silvio Berlusconi. Tampoco nos referimos, esta vez, a los cómicos y los humoristas que revitalizan la percepción política con sus críticas anti-sistema o anti-política. Estamos hablando, en serio, de otra cosa. Con el objetivo de “reiniciar” las relaciones con Moscú, Clinton centró la atención mundial alobsequiar a su homólogo ruso, Serguei Lavrov, durante su encuentro en Ginebra, con un pequeño artefacto que recordaba el botón rojo nuclear y tenía una etiqueta con la palabra reset. Lavrov le hizo notar que la traducción en ruso no era correcta, ya que la palabra utilizada -peregruzka- significa sobrecargar y no reiniciar. El buen humor y las carcajadas, recogidas por los medios de comunicación en distintas imágenes, constatan una vez más elpoder y la efectividad de la risa que seduce, comunica y logra acompañar a la palabra con una mayor efectividad. Una imagen distinta que representa el auge del smart power (poder inteligente) formulado por Joseph Nye, quien sintetiza en este concepto dos ideas anteriores: el “poder duro” de la era Bush y el “poder blando” también acuñado por Nye.

Clinton, sonriente y lúdica, comunica recuperación y protagonismo político y personal dando un nuevo aire a la diplomacia encorsetada y rígida. Y se reparte, a la perfección, el nuevo liderazgo mundial con Obama, que seduce y convence con su franca sonrisa, al tiempo que proclama, unas semanas más tarde, su fe y su determinación en acabar -definitivamente- la era nuclear en la carrera armamentística. No es tampoco casual, ni trivial, ni menor que Obama concediera su primera gran entrevista, alternando la seriedad y las bromas en una inusual aparición, a “The Tonight Show with Jay Leno“, uno de los programas de televisión más vistos del país. El presidente habló sobre diversos asuntos: desde la crisis económica hasta la llegada de un perro a la Casa Blanca. Un hombre que se ríe abiertamente, incluso de él mismo podrá exigir, también, sacrificios. Su sonrisa es, en parte, reflejo de su política.

La percepción estética es una forma de conocimiento La sonrisa es belleza natural, humana, relacional… y la belleza es -a la vez- fuente de conocimiento. Es una opinión de artistas… y de científicos. Como la del neurocientífico Semir Zeki, del University College de Londres: “Michelangelo entendió instintivamente la organización visual y emocional del cerebro humano, y sus mecanismos comunes de funcionamiento, para excitar experiencias compartidas que la palabra no puede alcanzar”. La percepción de belleza, o su ausencia, es una de las principales fuentes de conocimiento del otro. Nuestra evaluación de lo que nos interesa está íntimamente ligada a lo que nos atrae.

Un equipo de matemáticos y psicólogos de la Universidad de Bergen (Noruega) ha demostrado empíricamente que la simetría (también la claridad) que subyace en lo que percibimos como belleza, por ejemplo, propicia juicios de verdad y mejora la fluidez del procesamiento mental. Los resultados de dos experimentos revelaron un mecanismo mental relacionado que conformaba los juicios intuitivos entre lo bello y lo verdadero. Jacques Hadamard, matemático francés, escribió en su libro Psicología de la invención en el campo matemático (1954) que el sentido de la belleza y la búsqueda de la misma es casi el único móvil “para el descubrimiento en las matemáticas”.

El rostro espejo del alma (…política) Más recientemente, en 2008, un equipo de investigadores de la Unidad de Gráficos y Visión por Ordenador e Inteligencia Artificial de la Universidad de Baleares (UIB) ha desarrollado un modelo informático que permite generar caras que visualizan diferentes estados de ánimo acordes a los rasgos de personalidad. El resultado del estudio -que ha sido publicado en la revista Computer Animation and Virtual Worlds- demuestra que las personalidades se reflejan en estados de ánimo y en expresiones emocionales y que éstas, a su vez, se “reflejan” en el rostro, dejando una huella visual y de percepción que ofrece muchísima información a los interlocutores. El modelo ha sido capaz de identificar los “puntos de la cara” que expresan las emociones y manipularlos para ofrecer patrones visuales.

En otro contexto, psicólogos británicos han comprobado que las personas confían más en los líderes políticos con rasgos faciales femeninos. Tras varios años de trabajo vinculados a la importancia del rostro, la voz, la piel y la apariencia general de los seres humanos en sus relaciones interpersonales, un equipo de investigadores de la Universidad de St. Andrews(Escocia) publicó varios estudios en 2004. En uno de ellos, y tras analizar cientos de rostros a través de animación computada en los que se llevaban a cabo distintas modificaciones, se destacó la influencia que determinados rasgos faciales (también de los políticos) tienen sobre la preferencia del electorado. La conclusión es que “la gente suele juzgar a una persona por su rostro, así como elige a un libro por su cubierta”. Las mutaciones informáticas que se hicieron, por ejemplo, en el rostro de Tony Blair, concluían que la feminización de su cara provocaba un aumento en la confianza y en la predisposición favorable de las personas hacia él, como señala Michael Stirrat, uno de los investigadores del Perception Lab (Laboratorio de Percepción) de la universidad escocesa. El rostro aporta “información esencial” sobre las características de una persona y, por consiguiente, juega un papel clave en las decisiones de aprobación, interés o atracción de la persona sobre sus interlocutores u observadores. Dicha información tiende a configurarse también como “patrones de atracción” que actúan de manera diferente sobre hombres y mujeres.

La sonrisa, decisiva A finales de 2007, un grupo de científicos de las universidades de Stirling y Aberdeern desvelaban las claves de la seducción: la sonrisa y mirar a los ojos. El estudio pretendía determinar si nuestras preferencias faciales son fruto o no de la evolución y la sonrisa es una señal muy clara, que nos indica si existe un interés concreto hacia el interlocutor además de tener una función psicosocial muy útil. “Las personas prefieren caras que les transmitan la impresión de que son importantes”, según una de las autoras del estudio, Claire Conway.

En un reciente artículo en The Economist, “About face“, que referencia blog de Enrique Dans, se recogen las conclusiones de un experimento en el cual se evalúan distintas solicitudes para recibir un crédito, única y exclusivamente a partir de la visualización de una fotografía de la persona que lo solicita, además de la información básica sobre el proyecto que quiere financiar. Entre las conclusiones cabe destacar que, en aparente igualdad de condiciones, la información que transmite la expresividad del rostro influye de manera decisiva en la percepción que los otros tienen de uno mismo, haciéndonos tomar decisiones que pueden ser determinantes.

La risa política y alternativa La risa es una poderosa herramienta también en la agitación política y en las nuevas expresiones y manifestaciones de ARTivistas y creadores de situaciones en espacios públicos. El 1 de octubre de 2008 se llevó a cabo un taller gratuito de risoterapia en una céntrica plaza de Madrid, de la mano de formadores y terapeutas en la disciplina de la risa con una larga experiencia en la materia, que fueron los encargados de hacer que más de un centenar de personas se rieran a carcajadas acompañando los lemas “me río de la hipoteca”, “me río de mi jefe” y “me río de los políticos”. La política a través del humor y de la risa no ha hecho nada más que empezar. Vamos a asistir a ingeniosas manifestaciones de acciones políticas centradas en su potencial subversivo, revulsivo y revolucionario. También como primer paso para cambios personales y colectivos que empiezan con el compromiso individual. “Una sonrisa es el primer paso a la libertad del hombre” como señalaba Jaume Sanllorente, fundador de Sonrisas de Bombay (una ONG que desde el año 2005 se dedica al cuidado y educación de niños huérfanos y familias pobres de las calles de Bombay), en un reportaje para La Vanguardia - “Sonrisas al poder“. En él reflexiona sobre la importancia de alegrar nuestras caras e influir positivamente en aquellos que nos rodean. Lo saben bien un grupo de payasos de todo el mundo que han impulsado el proyecto “Parlamento de Payasos“. Una institución que pretende construir “un mundo para y de nosotros, en el que se reciba con cordialidad al otro, se le escuche y se le obsequie con una sonrisa”.

Conclusión: La política debe ser…, también, bella. “El gran estilo nace cuando lo bello obtiene la victoria sobre lo enorme.” Friedrich Nietzsche

Estoy convencido de que los tristes no ganan elecciones. Ni son capaces de liderar emociones positivas (sin la cuales no hay proyectos, ni comunidad, ni esperanza). Tampoco la tristeza puede seducir ni infundir ánimos colectivos. Los que creen que es posible un proyecto político transformador y progresista desde la cultura de lo pésimo, de lo trágico, de lo feo (de lo serio, de lo adusto, de lo severo)… no se dan cuenta de que el concepto “cuanto peor, mejor” es el núcleo psicológico y cultural de los pensamientos autoritarios, que ceban el desánimo y la desazón, para canalizarla como rabia agresiva… y amenazante.

La tristeza se da la mano con el aburrimiento, la fatalidad, el nihilismo. No comunica esperanza. No propongo la trivialidad, en absoluto. Tampoco reivindico la superficialidad de la sonrisa hueca, del gesto artificial, de la pose previsible de gesto acartonado. Reclamo una renovada mirada política y comunicativa a lo lúdico y festivo como la conexión emocional y ambiental de las fuerzas del cambio y del progreso. Su vinculación con el ánimo y la inteligencia ya están fuera de toda duda científica y sociológica. Aún se resiste una parte de la política formal… que ve su ceño fruncido amenazado por la sonrisa contagiosa de una política más desinhibida, fresca y dinámica. En muchos casos, representada por la creciente feminización de la política.

La política que gana (convence y seduce) contagia ilusión. Y el ánimo es energía movilizadora. Los retos y problemas del mundo (con la crisis económica-financiera, medioambiental y política) que dejan a millones de personas en la precariedad, la miseria o en el umbral de la muerte es algo muy, muy serio. Ciertamente. Pero lo enorme (por abrumador y devastador que parezca) debe ser combatido con inteligencia y determinación. Para ello, necesitamos sumar muchas voluntades y alianzas para una gobernabilidad progresista y sostenible del planeta. Mejor será que lo hagamos con ilusión cautivadora… o nuestra tristeza emocional, combinada con nuestro aburrimiento intelectual nos alejará -definitivamente- de la fuerza emergente que quiere cambiar el mundo.

Otros artículos en profundidad publicados en la Revista de la Fundación Rafael Campalans: - Sindicatos y comunicación en tiempos de crisis - La política de las emociones - La política del relato

Artículos de interés: Obama se ríe de Obama Fuente: El País (11.05.2009)

Bromas sobre el botón nuclear Fuente: La Vanguardia (07.03.2009)

LA PELÍCULA MÁS IMPORTANTE DEL AÑO

2009-05-12T20:25:00.003-05:00

tomado de LAS HORAS PREDIDAS, escrito por Rafa Matín

Según la revista Esquire.

“Esta película no se anda con coñas. Es una adaptación brillantemente dirigida de una novela enormemente apreciada. Una mirada delicada y anacrónica a al lado brutal que escondemos. Queremos llegar ahí, queremos llegar, queremos llegar, y al final, no lo quieres”.

Así habla Tom Chiarella, en la primera crítica del film publicada por Esquire, sobre La Carretera, la adaptación de la novela homónima de Cormac McCarthy en la que un padre y su hijo intentan alcanzar el sur en un mundo postapocalíptico, plagado de bandas de forajidos y caníbales. El padre es Viggo Mortensen y el hijo es el pequeño Kodi Smit-McPhee.

“Es una historia de amor, pero para ser sinceros: es una historia de amor entre un padre y un hijo echando patas para huir de pequeñas bandas de devoradores de personas”.

“Estábamos bajo mucha presión cuando fui a por los derechos del libro”, afirma el productor Nick Weschler. “Había otras ofertas, pero no eran muy importantes porque a todo el mundo le daba miedo el material, claro”. “Es un tema muy duro, y en aquél momento me limité a conseguir los derechos del libro, respondí a él. No me imaginaba el éxito que iba a conseguir, lo que se hablaría de él, que ganaría el Pulitzer. De repente, nos encontramos con una presión aún mucho mayor: realizar una adaptación cinematográfica que pudiera ser considerada válida”.

“Viggo Mortensen aparece en cada plano. Y es simplemente brillante”, apunta Chiarella. En respuesta, el director del film, John Hillcoat (La Proposición), explica que Mortensen sigue siendo una opción correcta, gracias en parte a la astucia de Mortensen a la hora de elegir papeles variados. “Nos la jugamos con Viggo y fue la decisión adecuada porque, y mira que es bueno este tío… con todo, no se encuentra contaminado (por el estrellato).

Los escenarios del film han sido directamente rodados en lugares afectados por un desastre, natural o no. “Al final todos nuestros estudios acababan llevándonos a imágenes de sucesos como la erupción del Santa Elena, Hiroshima, Katrina, desastres fotografiados y filmados por el hombre”, apunta Hillcoat. “Mi diseñador de producción encontró en Google Earth dieciséis kilómetros de túneles abandonados de una autopista de Pensilvania. Empleamos deliberadamente las auténticas zonas apocalípticas de América. Fuimos a Nueva Orleans a rodar en un centro comercial destruido por el Katrina. Incluso parte de las densas nubes que empleamos en una escena pertenecían al 11-S”.

“¿Por qué deberíamos ver la carretera? Porque es una buena historia. No porque sea una película inolvidable, horrenda, no porque esté plagada de diálogos que recordaréis al salir de la sala. Todo eso es cierto.

Pero tampoco porque os haya gustado el libro. La película es un punto y aparte. Tenéis que verla porque se trata de dos personas en un mundo deshecho. Porque La Carretera es la historia de la persistencia de un amor entre un padre y un hijo, y es más una revisión de El Padrino que de Soy Leyenda”, va concluyendo Chiarella.

“Pero en esta ocasión, no querréis ver la película dos veces”.

La Carretera se estrena en EE.UU. en otoño.

LLUVIA DE IDEAS PARA SALVAR LA PRENSA EN LOS EU

2009-05-12T09:28:00.002-05:00

En este esquema que representa cómo accedemos a la información en Internet esta el futuro de la prensa.

Por CRISTINA F. PEREDA (SOITU.ES)

WASHINGTON, D.C.- Uno de los dueños del 'Washington Post' puso el dedo en la llaga estos días al decir que "no pagaría por un periódico a ningún precio". Warren Buffet se posicionaba así junto a los que defienden que será muy difícil convencer a los muchos que se han acostumbrado a encontrar información gratuita en Internet de que tienen que volver a pagar por leer las noticias. Entre sus argumentos, el diferente concepto de una noticia o artículo frente a una canción o el capítulo de una serie descargado en iTunes, pero también la dificultad que supondría controlar qué información es de pago y cuál no. Los medios y las fuentes de información son interminables en la red y los usuarios son expertos en encontrar el modo de acceder a la información que más les conviene.

El líder de los defensores de los micropagos en Internet es Rupert Murdoch. Acaba de anunciar que prepara un sistema para que los usuarios tengan que pagar por cierta información. Es un modelo que ya sigue 'The Wall Street Journal', pero los años de este periódico cubriendo información financiera sí aportan información única por la que le merezca la pena pagar a un internauta. Murdoch acababa de criticar la decisión de periódicos como 'The New York Times' de aliarse con Amazon y su Kindle DX para vender suscripciones, algo que muchos ven como una posible solución a la crisis de la prensa.

Estas dos decisiones, junto con la sesión celebrada en el Senado estadounidense sobre el futuro de los periódicos, han desencadenado una serie de reacciones en forma de artículos y comentarios estos días. Saltan de un medio de comunicación a otro como si se tratara de una sesión de brainstorming —tormenta de ideas— colectiva. Si alguien tiene una idea sobre cómo salvar a la prensa, por favor pronúnciese.

El último en hacerlo ha sido Howard Kurtz, el experto en medios del 'Washington Post'. Kurtzdesvelaba ayer en su columna que el director ejecutivo del 'Washington Post', Donald Graham, está manteniendo conversaciones con el presidente de Google, Eric Schmidt. La pista sobre una posible colaboración entre ambas compañías caía hasta el octavo párrafo de un artículo dedicado a culpar a la prensa por su situación actual, pero puede ser una idea a tener en cuenta.

No hay más detalles sobre la posible colaboración entre Google y el 'Washington Post', pero puede abarcar desde facilitar herramientas digitales para reporteros hasta un método que ayude a distribuir las noticias en Internet de forma beneficiosa para el periódico. La noticia llega unos días después de que un antiguo editor del periódico criticara las consecuencias que ha impuesto Google a los medios de comunicación. Entre otras quejas escuchadas en el Senado estadounidense, se oyó que una vez que Google News inlcuye un link a una noticia determinada, el lector no tiene por qué leer la información completa en la fuente original. Además, si se queda en news.google.com, es el gigante de Internet el que consigue ingresos por publicidad, no el medio que invirtió en escribir dicha noticia.

Para el periodista canadiense Matthew Ingram, la cuestión de Google y los agregadores de noticias está más que zanjada. "Google ayuda a los periódicos. Y punto". Así titulaba su último reportaje para la revista sobre periodismo 'The Nieman Report', en el que disparaba en muchas direcciones: contra el presidente de 'The Wall Street Journal', por decir que Google devalúa todo lo que toca, contra la hipocresía de los medios que critican a los agregadores pero no bloquean el acceso de los buscadores a sus archivos, contra aquellos que quieren seguir obteniendo beneficio por piezas de información que pueden ser obtenidas y replicadas por muchas otras fuentes desde el momento que las agencias las distribuyen a escala internacional.

El papel de las agencias de información

Se ha hablado mucho de Google, sus consecuencias para el periodismo y el papel que puede tener en el futuro de la prensa, pero poco eco han tenido las palabras de Steve Coll la semana pasada durante su comparecencia en el Senado. El antiguo editor del 'Washington Post' explicó con cara de nostalgia que una de las claves de la situación actual fueron las conversaciones que los editores de prensa mantuvieron con agencias como Associated Press en los comienzos de Internet. Los periódicos, explicó Coll, perdieron entonces la ocasión de no publicar en la red artículos que no firmara un reportero exclusivamente para el medio. Una vez que las agencias de noticias empezaron a distribuir la misma información a todos los medios, el espacio para que éstos aportaran algo nuevo empezó a reducirse. Y todavía no había nacido Google.

Ahora los medios de comunicación no sólo conviven con agregadores, lectores personalizados que filtran la información que queremos leer o buscadores como Google. También se han unido a la labor de informar ciudadanos que ya no son sólo lectores, sino que también quieren compartir con sus comunidades o el resto de la audiencia de un medio lo que acaba de pasar en su barrio, un partido de fútbol o un acto político. Las fuentes no dejan de multiplicarse. Y no olvidemos las redes sociales. Lejos de quitar lectores a los medios, se los han dado: el 'Telegraph' inglés por ejemplo, recibe el 8% de sus lectores a través de redes sociales en Internet.

Lecciones para el futuro

"El 'Washington Post' ha conseguido 19 Premios Pulitzer en los últimos diez años. Pero en el mismo periodo de tiempo ha perdido más de 120.000 lectores. Como poco, nos hemos dejado a los lectores en nuestro camino hacia la gloria", escribe Walter Pincus en el próximo numero de la revista 'Columbia Journalism Review'.

Ésa es la primera lección que ya han aprendido los medios en esta crisis, sobre todo los estadounidenses. 'The New York Times' lanzaba este invierno una serie de blogs dedicados exclusivamente a cubrir determinadas zonas locales. Además, invertía en reporteros locales, blogueros y profesionales que trabajan en dichas áreas. Se trata de una medida que busca las ventajas de publicar información descuidada por la redacción del periódico, pero que siguen demandando los lectores, a la vez que se sirve del bajo coste que suponen todavía los llamados periodistas ciudadanos.

Sin embargo, una publicación local sin el respaldo de una compañía de prestigio tiene todavía muchos enemigos. Entre ellos está David Simon, quien compareció la semana pasada ante los legisladores estadounidenses para manifestar la preocupación común por la calidad de la información que pueden producir los lectores. Su mayor temor es la dificultad de destapar casos como el del Watergate por parte del 'Washington Post'.

Pero no son periodistas los que han conseguido que los juzgados estadounidenses permitan publicar en Twitter actualizaciones de los juicios mientras éstos se están celebrando. Como tampoco fue un periodista el que tenía la grabadora encendida cuando Obama hizo uno de los comentarios más amargos de la campaña —dijo que los norteamericanos que estaban frustrados por la pérdida de empleo se aferraban "a las armas y la religión"—, costándole un buen patinazo y también una cadena de explicaciones y disculpas.

Los argumentos favorables y contrarios a Internet en la situación actual de los medios son interminables. Como también lo son a favor de los editores de periódicos, aplastados por el peso de Google, o en su contra, por centrarse en multiplicar los beneficios de un modelo que no tenía por qué funcionar para siempre. A las compañías les queda ahora elegir cómo arriesgarse, tal y como han hecho Gordon Crovitz, ex de 'The Wall Street Journal', y los empresarios Steve Brill y Leo Hindery con un nuevo modelo: Journalism Online.

La compañía se auto define como "una plataforma global con sencillas fórmulas de pago por contenido que proporcionará modelos de beneficios para los medios en tiempos de crisis".¿Cómo funciona? Sus creadores quieren ser la puerta de acceso, mediante pago, a determinadas piezas de información producidas por los medios y que no sean difundidas en ninguna otra parte. Los medios podrían entregar de forma exclusiva parte de su contenido a estos portales de información, a los que accederán los lectores en función de su interés. Las negociaciones entre Google y el 'Washington Post' han inspirado sospechas de que pueden estar buscando una alianza parecida.

Arianna Huffington desveló la semana pasada en el Senado que Google está preparando una herramienta para que los internautas sólo reciban recomendaciones de links (que bien podrían ser noticias, vídeos o fotografías) que el buscador ya sabe que querrán leer. Sería como aplicar los filtros que creamos para leer las noticias en los agregadores de RSS a las búsquedas generales en google.com. Y el regalo perfecto de Google a los medios que quieren promocionar su contenido sin perderlo del todo.

La vicepresidenta de Google Marissa Mayer ignoró esta referencia durante la reunión en el Senado, igual que los periodistas estos días. El silencio quizás signifique que toda la industria sabe que tienen que subirse al tren de los portales de acceso mediante pago y sólo están esperando un modelo seguro. O que Huffington adelantó un secreto que Google espera perfeccionar.

Para saber más de la crisis de los medios en EEUU:

POR EL DIA DE LAS MADRES : ¿Cómo te ven tus hijos?

2009-05-10T10:17:00.000-05:00

TEST: ¿Cómo te ven tus hijos?

tomado de feminis.com

Si quieres saber si tus hijos te ven como un ogro, un héroe o el mejor de los papás, no dejes de hacer este test, que te revelará cómo eres visto por tus pequeños.

1. ¿Qué haces si tu hijo adolescente llega más tarde a la casa de la hora pactada?
a) Lo/a reprendes, pero se te olvida al otro día
b) No haces nada
c) No le permites más salidas por un mes
d) Le preguntas qué le pasó y charlas con él/ella

2. ¿Qué es lo más importante para los niños?
a) Practiquen deportes
b) No molesten a sus padres
c) Sean disciplinados
d) Aprecien el arte y la cultura

3. ¿Qué haces si tus hijso te piden ayuda para la tarea?
a) Las realizan juntos
b) No tienes paciencia para esas cosas
a) Las revisas y controlas que todo esté perfecto
d) Intentas convertir el momento en algo divertido

4. ¿Qué es lo más importante para el futuro de tu pequeño?
a) Forme una familia
b) Sea independiente
c) Sea exitoso/a y se defienda en la vida
d) Nunca deje de soñar

5. Ser papá significa:
a) Proteger y cuidar
b) ¡Ni idea!
c) Educar y dirigir
d) Guiar y acompañar

6. ¿Qué haces si tu hijo/a tiene un problema en la escuela?
a) Hablas con él/ella e intentas ayudarlo/a
b) Dejas que se ocupe de eso la madre
c) Hablas con la maestra y le echas la culpa
d) Lo/a alivias contándole anécdotas similares de tu niñez

7. Te gusta que tus hijos sean
a) Alegres
b) Espontáneos
c) Obedientes
d) Creativos

8. ¿Qué le dirías a laguien que va a ser padre?
a) Que se prepare con cursos y libros sobre paternidad
b) Que aproveche lo poco que le queda de vida
c) Que abra una cuenta para la universidad de su futuro hijo/a
d) Que se deje llevar por su instinto paternal

9. ¿Cuál de estos regalos le harías a tu hijo?
a) Un bate de béisbol
b) Un videojuego
c) Una enciclopedia
d) Una guitarra

10. Para ti la paternidad es:
a) Lo mejor que te pasó en la vida /a
b) Demasiada responsabilidad
c) Un trabajo full time
d) Una aventura

Mayoría de A
Papá buena onda, tus hijos te ven como amigo
Eres un padre responsable, protector y muy querido. Siempre estás dispuesto a ayudar a tus hijos, compartes actividades, estás pendiente de sus tareas, conoces a sus amigos y no hay nada que no estés dispuesto a hacer por ellos. Para ti la familia es lo más importante y haces grandes sacrificios para mantenerla a flote, resignando muchas veces necesidades personales. Eres un padre ejemplar, aunque a veces un poco sobre protector. Piensa más en ti y libera un poco a tus hijos. ¡Te mereces un descanso!

Mayoría de B
Un papá genial, tus hijos no te ven como papá
Aunque crees ser cool y divertido, lo que en realidad haces es desligarte de tus obligaciones como padre. Nunca estás cuando te necesitan, evitas hacerte cargo de los problemas y no compartes mucho más que el vínculo de sangre con tus hijos. Puede sonar duro, pero es hora de que asumas las responsabilidades de un adulto. Aunque tus hijos ahora se rían de tus chistes, en el futuro sólo serás un padre ausente que faltó cuando más se lo necesitaba. ¡Ponte las pilas y madura!

Mayoría de C
Un papá autoritario, tus hijos te ven como un sargento
Crees que eres el padre ideal porque vives para tus hijos, pero lo que haces es sofocarlos con actividades y exigencias. Llevas una vida muy estructurada y es posible que utilices órdenes y rutinas estrictas para no perder el control ante ciertas situaciones. Tienes muy poco en cuenta las necesidades de los niños. ¡Déjalos respirar!

Mayoría de D
Un papá trovador, tus hijos te ven como un héroe
Eres un padre sensible, amigable y positivo. Rechazas las reglas, odias las órdenes y los métodos estructurados. Para ti es importante que tus hijos crezcan en un entorno libre y creativo, rodeados de actividades culturales y artísticas. Siempre te enfocas en el lado bueno de las cosas e intentas mantener a tus hijos alejados de las tristezas de la vida. Tu inmenso temor a que sufran te hace mantenerlos en un mundo de fantasía, que aunque hermoso, es irreal. Agrégale una cuota de verdad a sus vidas para que no sufran tanto cuando se enfrenten con la realidad.

DESMONTANDO MITOS DEL TERCER MUNDO

2009-05-09T16:35:00.001-05:00

Se trata de otra maravillosa charla enmarcada dentro de las Jornadas TED que, en esta ocasión, cuenta con Hans Rosling y su ONG Gapminder, dedicada al interesante trabajo de cambiar nuestra visión del mundo mediante datos y estadísticas...

La Conferencia se llama más o menos así: Desmontando los mitos del tercer mundo con las estadisticas más sorprendentes que hayas visto nunca... Y lo cierto es que lo consigue.

Con humor, y datos sorprendentes le dará la vuelta a muchas de las ideas preconcebidas que tienes sobre el mundo... y sobre todo, del mal llamado tercer mundo.

Tan sólo te llevará unos minutos de tu tiempo en este sábado ventoso y te aseguro que serán minutos bien aprovechados... Además, si como a mí, te ha interesado la charla de Hans Rosling, puedes ampliar ese conocimiento global mediante su impresionante web Gapminder.org, donde te recomiendo que le eches un vistazo a los numerosos videos de la Sección: "Mira como demolemos mitos"... Más videos, datos, estadísticas que harán trizas muchas de las convicciones que tenías preconcebidas sobre Paises, poblaciones, demografías, mortalidad, natalidad...

Lynn y Pablo Milanés, Si tú te vas - En Vivo

2009-05-06T15:30:00.001-05:00

Si, ya lo sé esta empezada, pero me gusta la canción

No sé, no sé, si tú te vas.... se me acaba la vida.
mas?

se las dejo. Y....no es para nadie, es para mí misma

MEJOR MAL ACOMPAÑADO

2009-05-06T10:27:00.001-05:00

Alberto Montt, chileno de nacimiento y ecuatoriano de educación, es ilustrador.

El humor ha jugado un papel muy importante en su vida, y Quino y Gary Larson han sido siempre una fuente de inspiración y le han aportado una mirada fresca y delirante.. Publica una tira diaria. De paso por el mundo es su pasmo, irónico y sensible, ante la complejidad del mundo.

NIGERIA NO TIENE CINE CON BUTACAS PERO ES LIDER MUNDIAL EN PRODUCIR CINE

2009-05-05T14:26:00.004-05:00

Lideran India y Nigeria industria del cine seguidos de EU: Unesco

Los dos primeros países produjeron mil 091 y 872 filmes en 2006. Estados Unidos apenas 485, pero las suyas son las más exitosas.

Dpa

Publicado: 05/05/2009 14:00/ LA JORNADA

París. En ningún lugar del mundo se producen tantas películas como en India y Nigeria; aunque cause sorpresa Estados Unidos se ubica apenas en el tercer lugar de los mayores productores en la industria, según un informe de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) presentado hoy en París.

Sin embargo, las películas estadunidenses siguen siendo las más exitosas. En Estados Unidos se produjo en 2006 un total de 485 películas.

En Bollywood, el centro de la industria india, llamado así por Bombay, fueron mil 091, y en Nigeria, donde la industria del cine se llama Nollywood, fueron 872. A ellos le siguen Japón (417), China (330), Francia (203) y Alemania (174).

“Estos nuevos datos son la prueba de que el lugar de la cultura en la agenda política debe ser repensado”, explicó el director general de la Unesco, Koichiro Matsuura.

“La producción de cine y video es un ejemplo brillante de cómo la industria de la cultura puede abrir el diálogo para el entendimiento de las culturas, como portador de identidad, valores y contenidos. Además, promueve el crecimiento y el desarrollo”, dijo.

A pesar de la mayor cantidad de películas nigerianas e indias, las estadunidenses siguen siendo las más exitosas. En muchos países dominan las listas de las diez películas más exitosas del año. En países como Australia, Canadá, Costa Rica y Rumania, las diez películas más vistas en 2006 eran de Estados Unidos.

Para el estudio, la Unesco evaluó datos de 99 países.

Consideró especialmente interesante el panorama cinematográfico de Nigeria. Allí casi no hay cines, pero sí una cultura del cine muy arraigada. Por eso, los productores nigerianos apuestan sobre todo a la producción en video, que es más barata. El 99 por ciento de todas las películas son exhibidas en noches de cine espontáneas en los vecindarios.

EL ÚLTIMO ALIENTO

2009-05-05T09:58:00.001-05:00

Tomado de kinodelirio

Siempre he recelado de las óperas primas, mejor dicho, he terminado haciéndolo después de comprobar cómo algunas de ellas tenían menor entidad de lo que aparentaban en principio. Ese arrojo mezclado con la inconsciencia y los nervios del debutante, suelen crear un ruido que se amplifica en compañía de la novedad. Sobre todo en el panorama audiovisual actual, en el cual, ya antes de su estreno, la película en cuestión será señalada como la nueva frontera del cine y al director se le habrá encumbrado a la categoría de maestro, genio o cualquier memez semejante. Todo sin el menor rubor, los días de aprendiz del oficio pasaron a la historia, qué demonios, a quién le hace falta aprender cuando van a decir por uno hasta la náusea que eres el mejor. Al fin y al cabo, un árbol siempre será un árbol¹ .

Por esto, siempre resulta estimulante observar las carreras de los directores, ver cómo unos evolucionan mientras otros en lugar de explotar terminan implosionando víctimas de un ego adobado o de la simple falta de talento o vocación. Situaciones que en el mejor de los casos suelen dar lugar a leyendas sobre directores malditos, aquellos con una sola película o con pocas pero de gran calibre, filmografías y vidas truncadas por diferentes azares o por imperativos comerciales. Preguntarse por ellos suele ser uno de los grandes pasatiempos de la cinefilia y del masoquismo² y como nosotros no formamos parte de ninguno de los bandos, renunciaremos a ello. Esto es, no formularemos la pregunta retórica, que deviene ucronía, de qué habría sido del cine si hubiera habido continuidad tras Tabú (1931), Zéro de conduite (1933) y L’Atalante (1934) oNinjo kami fusen (1937), si la muerte, disfrazada de accidente de automóvil, de leucemia y de disentería, hubiera respetado a F.W. Murnau, Jean Vigo y Sadao Yamanaka, respectivamente. De cualquier forma, la bisagra de los años treinta siempre será interesante bajo cualquier prisma, incluido el forzado y cinéfilo del What if…

A lo que íbamos, en el cine y en las filmografías conviene mirar en lontananza, ser cautelosos con los primeros términos, apartarlos para poder observar cómo prosigue el camino aunque su final apenas se pueda intuir. Poca gente podría esperar que Francis Ford Coppola dirigiría The Godfather en 1972 después de haber realizado o colaborado en unas cuantas producciones de género, You’re a Big Boy Now (1966), Finian’s Rainbow (1968) y The Rain People (1969). Esta última muy interesante pero a distancia sideral de una obra como El Padrino. Coppola, así como otros, aprendieron el oficio además de sumar otras inquietudes intelectuales. Y cuando pensaron que ya lo habían aprendido, se dieron cuenta de que debían seguir haciéndolo, de que aquello era un trabajo y un aprendizaje para toda la vida. Reconocer tal necesidad supone la mejor manera de avanzar sin frustración y con la honestidad suficiente para no parecer un mentecato insoportable, por muy brillante que se pueda llegar a ser.

El gran precursor del mito de L’enfant terrible y de las primeras películas como fenómeno mediático fue, como todos ya saben, Orson Welles. Sin embargo, uno lo valora más por lo que pudo hacer más tarde rodeado de dificultades, de The lady from Shanghai (1947) a F for Fake(1974) pasando por Touch of Evil (1958) y Campanadas a medianoche (1965). Él mismo declararía en más de una ocasión lo cretino que pudo llegar a ser dirigiendo Citizen Kane (1941), invadiendo competencias de manera obsesiva, más por puro desconocimiento de las labores y divisiones de producción que por prurito autoral. Por desgracia, lo segundo quedó prendido sin remedio y ahora, si quieres ser un autor, si quieres ser cool, debes componer la música –aunque sea con las melodías prediseñadas de un Casio-, hacer los bocetos de arte, escribir el guión, marcar la intensidad y la dirección de la luz y, por supuesto, darle la tabarra a los actores. Menos suministrar el catering, muchos directores están dispuestos a hacerlo todo, a firmarlo todo, aunque sea el cortometraje más inmundo jamás realizado.

Una filmografía nunca será un conjunto neutro de obras, aunque podamos apilarla de manera aséptica y geométrica en discos, en cintas o en bobinas para proyectarla de principio a fin. Ahora, si uno es afortunado y logra encontrar el hilo humano que la vertebra, un hilo que resulta estar formado por la unión de múltiples hebras (personas, sucesos, tecnología, etc.), estará más preocupado por ver cómo termina que por cómo empezó. O, afinando todavía más, qué es lo que va sucediendo, cuál es el proceso, con sus pasos en falso, su aprendizaje, sus descubrimientos, sus rechazos, olvidos y recuperaciones que conducen hasta el final, hasta la muerte. No abogamos por una condición orgánica de lo filmográfico, menos aún de la Historia como disciplina, la obra o el conjunto de obras no lo son en esencia, pero su discurrir debe ser escrutado por si esta dimensión aparece en algún punto del trayecto.

En la época de las prejubilaciones, de un estado del bienestar mal entendido y de estrellas púberes, conviene, más que nunca, saber lo que eran capaces de expresar unos ancianos a través de su trabajo siempre y cuando las ratoniles aseguradoras y los imbéciles hombres de negocios lo permitían. Tanto la penalización como la conmiseración hacia la ancianidad en las sociedades modernas aparecen como dos sintomas de su deficiente funcionamiento. No cabe la normalidad, basculando entre el proteccionismo absoluto (en algunas ocasiones y casos necesario, bien es cierto) que considera la edad avanzada únicamente como un mal o un castigo, y la extroversión más radical que invita a los implicados a convertirse en una especie de adolescentes desenfrenados que encuentran en la química el soporte que antaño le proporcionaron las hormonas. Parece no caber que tal vez alguien quiera seguir haciendo las cosas que siempre le gustó hacer o tal vez probar alguna nueva, pero no de manera compulsiva y sin conciencia de las limitaciones que puedan existir. Sea usted un abuelete enrollado, se nos vende, tírese en paracaídas, corra una maratón y no pare de izar bandera; ridícula exaltación de las experiencias físicas extremas cuando estas han perdido gran parte de su sentido y adecuación.

En el caso del cine, sucedió con frecuencia que aquellos directores que prolongaron su carrera casi tanto como su existencia fueron tachados de gagás a cada nueva moda que surgía. En la progresiva quiebra del modelo industrial del Hollywood clásico tal vez se pueda encontrar el momento más apropiado para observar con claridad el fenómeno: grandes cineastas, que habían crecido literalmente con el invento, habían quemado etapas históricas sin apenas pausa en su trabajo. Los cambios, no ya en la estructura de su oficio sino a nivel global, amén de los impedimentos y los prejuicios mencionados, fueron reduciendo la periodicidad con la que volvían a ejercer su labor. Pero las ganas y la claridad mental, seguían intactas y les impulsaban a seguir poniendo en pie películas, ya fueran con producciones exóticas, con dinero sacado de aquí y de allá, con algún apoyo de la vieja guardia y con el de otros nuevos mecenas que reconocían su brillante pasado. Los aspirantes a directores que hoy se lamentan por no encontrar financiación, deberían hallar consuelo al saber que gente que había realizado algunas de las mejores películas de la historia eran incapaces de encontrar salida para sus ideas.

A partir de los años 60, y no digamos de los 70 u 80, las películas de los “viejos dinosaurios” de Hollywood quedaban sepultadas entre toneladas de moderneces. El público, las nuevas hornadas de cineastas y hasta los críticos más reputados, asistían ante aquellos últimos escarceos con una distancia frívola y con escaso respeto hacia algo que consideraban demodé. No sabían que a las melenas y a los pantalones de campana, también les llegaría su momento final, una muerte más cercana de lo que muchos nunca imaginaron.

Existen multitud de casos que ilustran esa dura supervivencia de directores magníficos que realizaron memorables últimos tramos en sus filmografías, pero ahora nos interesan aquellos en los cuales la práctica del oficio se extendió hasta poco antes de la muerte, días, meses, tal vez unos cuantos años, pero siempre dentro de cierta longevidad. La sabiduría condensada de quien ha vivido y de quien tiene conciencia de que aquello se está acabando. Lo lúcido como expresión más conveniente para sintetizar el discurrir vital y el artístico, es decir, el conocimiento de las personas y la manera de transmitirlo, de narrarlo, de acuerdo a un estilo.

Dejamos entonces a un lado a aquellos que vivieron “largo” tiempo tras sus últimas películas por geniales que fueran. Fritz Lang remata en 1959 con las deslumbrantes Der Tiger von Eschnapur yDas indische Grabmal, y en 1960 con Die 1000 Augen des Dr. Mabuse, pero fallece más de quince años después. Frank Capra, King Vidor, Vincente Minnelli, Otto Preminger, Howard Hawks, Josef von Sternberg, Leo McCarey, Raoul Walsh, Nicholas Ray, Samuel Fuller, Elia Kazan, Joseph Leo Manckiewicz, William Wyler, entregaron algunos de sus mejores trabajos –para quien esto escribe, faltaría más- en el último tercio de sus carreras, léanse en el mismo orden de los mencionados: Pocketful of miracles (1961), War and Peace (1956), The Sandpiper (1965), Bunny Lake is missing (1965), Hatari! (1962), Anatahan (1953), An affair to remember (1957), A distant trumpet (1964), We can’t go home again (1976), The Big Red One (1980), The Visitors (1972),Sleuth (1972), The Collector (1965). Por no hablar de Alfred Hitchcock, William Wellman, Billy Wilder…

También apartamos a los que la muerte terminó sorprendiéndoles –bueno, pleonasmo al canto, la muerte siempre sorprende- en plena actividad y a mediana edad. Los casos más conocidos serían los de Ernst Lubitsch, Max Ophüls, Preston Sturges, incluso Anthony Mann, o los ya citados más arriba, Murnau, Yamanaka y Vigo. Pero no es cuestión de ponerse a enumerar de manera exhaustiva, pues en ambos casos siempre terminaría siendo una lista incompleta que se alargaría con otros tantos casos destacables fuera de Hollywood: Yasujiro Ozu filma su obra maestraSanma no aji (1962) un año antes de morir y Kenji Mizigochi fallece el mismo año de Akasen chitai (1956), Carl Theodor Dreyer no llegará a vivir ni un lustro tras terminar Gertrud en 1964.

En una reducción funcional y mixta (Hollywood y fuera de él) a la vez que arriesgada, vamos a proponer cuatro ejemplos que ilustren lo que estamos intentando explicar no sin espesura. Dos son muy conocidos y recurrentes a la hora de hablar sobre el tema, a saber: John Ford y John Huston, quienes dirigieron hacia el final de sus vidas y entre achaques Seven Women (1966) yThe Dead (1987). Ford tenía graves problemas de visión y Huston grandes dificultades respiratorias a causa de un enfisema pulmonar. El cascarrabias aguantó unos seis años más con vida, mientras que Dublineses se convirtió en el filme póstumo del director de The Asphalt Jungle(1950). La otra pareja que hemos seleccionado es un poco más original y está compuesta por Vittorio De Sica y George Cukor, por sus filmes: Il viaggio (1974) y Rich and Famous (1981).

Tomando las cuatro como un corpus único se pueden rastrear una serie de constantes, de cruces y de paralelismos atractivos, empezando por un sustrato literario poderoso que cuenta con un valor popular en absoluto reñido con el intelectual: John Ford-Norah Lofts, John Huston-James Joyce, George Cukor-John Van Druten³ y Vittorio De Sica-Luigi Pirandello. Todas, ya fueran novela, obra de teatro o relato, poseían en potencia una carga representacional que podríamos resumir en las estrechas relaciones que tienen los personajes no ya entre sí sino con los lugares transitados, un dinamismo que parte de los fundamentos teatrales para concluir en la magia de la cámara, de los movimientos y del montaje.

Otro punto de contacto son los diferentes discursos a los que dan lugar dichas obras: la apuesta por la evolución y la innovación, por el progreso y por la confianza en las nuevas generaciones que deben llevarlo a cabo. Ninguno se regodea en la nostalgia, no hay lloriqueo alguno y ni por asomo desconfían de la juventud, ellos, por perdida, la valoran más que los propios jóvenes. La crítica profunda contra las tradiciones obsoletas, ya fueran simbolizadas por las relaciones familiares, por la tecnología, por la sexualidad o por los posicionamientos políticos, no hacen otra cosa que confirmar el alto grado humanista de estos cuatro testamentos. Levantándose sobre ideologías tan coyunturales como las formas visuales que intentaban ilustrarlas, dejaban patente que lo reaccionario nunca fue su fuerte. No podía extrañar cuando habían dado muestras suficientes de compromiso y cuando ya habían filmado películas tan vitalistas e inconformistas como: Donovan’s Reef (1963), Miracolo a Milano (De Sica, 1951), Holiday (Cukor, 1938) y The man who would be king (Huston, 1975).

Ford entrega el testigo a Sue Lyon y a un recién nacido mientras sacrifica a la única con conciencia de su tiempo. A decir verdad, Anne Bancroft es el álter ego apenas travestido del propio Ford, como antes lo fue Ward Bond en Wings of Eagles (1957), sin heroismos ni falsas medallas, reconociendo, como ya hizo en la filmación de la Batalla de Midway (1942), que la cobardía y el miedo eran difíciles de vencer. De Sica se revuelve contra la asfixia pueblerina del sur italiano, con sus lutos y protocolos que ahora quedan empequeñecidos ante el empuje de la Modernidad, de las nuevas ideas: el coche, la fotografía, el cine, la movilidad. Huston realiza algo similar con la doble cerrazón irlandesa, primero con sus vecinos ingleses y luego con el Continente, las fundas de goma que protegen las botas del protagonista resultan ser menos inocentes de lo que su inmediata funcionalidad indica, y también con la irrupción soberana de los sentimientos frustrados en el corazón de las convenciones. Las mentiras y las envidias apenas disimuladas durante la cena terminan por aflorar en lo matrimonial… igual que sucede en el filme de Cukor, quien lo traslada cargado de sorna a la alta sociedad americana (angelina y neoyorquina) de la segunda mitad de siglo. Cukor también apostará decidido por la frescura y el atrevimiento juvenil a través de Chris (Hart Bochner) y Debby (Meg Ryan).

Los cuatro eran demasiado mayores para seguir aguantando amores no permitidos, sujetos a normas externas ridículas y a lo políticamente correcto. Sufrir para no transgredir esos límites no les resultaba comprensible, excepto si querían convertirse en unos desgraciados reprimidos como le sucedía al a misionera jefa de Seven Women y, en un principio, a Sofia Loren y Richard Burton, los cuales, cuando se quieren dar cuenta, apenas les alcanza el tiempo para disfrutar de la libertad. O la doble castración sentimental de Jacqueline Bisset, la de su barrera intelectual y la de su leal amistad, sólo al final se dará cuenta de que prefiere la carne a los libros.

El estilo para mostrarlo, dentro de las notables diferencias entre los cuatro, también responde a un criterio narrativo digamos uniforme, con elegantes empleos de las elipsis temporales, con abundancia de planos abiertos para reunir personajes, con movimientos discretos y elegantes de la cámara y de los elementos dentro del cuadro, con luces sin estridencias que concuerdan con los ambientes y las emociones y con la incorporación discreta de nuevas técnicas o rasgos visuales como el zoom en Il Viaggio (y en toda la última etapa de su director) o las escenas de sexo enRich and Famous convenientemente pasadas por el tamiz de la ironía. La división estructural del relato en secuencias, que a su vez quedan convertidas en microrrelatos, así como los cambios de tono, volverán a ser claves en esta maestría narrativa. A este respecto (estructura de las secuencias y cambios de tono), el filme de Cukor sería digno de un estudio detallado.

A pesar de la variedad de las localizaciones espaciales y temporales, las cuatro se convierten en relatos de valor universal. Dublín o Italia a principios del siglo XX, China en 1935 o Estados Unidos entre los 40 y los 80, reflejan un sentir general en el que se mezclan individualidad y grandes hechos históricos con una naturalidad pasmosa. La Historia como marco, como escenario, bien lo sabía David Lean, especialista en este tipo de fusiones gracias a Lawrence of Arabia (1962),Doctor Zhivago (1965), Ryan’s Daughter (1970) y Passage to India (1984).

La igualdad, sabían, no sólo llegaba con la muerte. Observar cómo era vulnerada resultaba un mecanismo ejemplar para contar historias entre la tragedia y el humor. Retratos de una intolerancia dolorosa a ojos de quienes ya se habían dado cuenta tantas veces del daño innecesario e injusto que causaba. Del monólogo final del filme de Huston se rescata la síntesis negra para aquellos que no quieran aceptarlo mientras vivan: “uno a uno todos nos convertiremos en sombras”, mientras, “la nieve cae lánguidamente sobre vivos y muertos”. Llegado el momento de exhalar por última vez, y si antes no se ha sido capaz, tal vez tengamos la posibilidad de hacerlo con la valentía y la sabiduría de unos cuantos de los aquí nombrados. Un último aliento que luchará contra el silencio posterior y contra su propia esencia agónica para hacer prevalecer su carga vital residual. Un último acto de generosidad.

Alusión a las memorias del director norteamericano King Vidor, un relato, entre otras cosas, sobre la necesidad y el valor del aprendizaje dentro del oficio: Vidor, King: Un árbol es un árbol, Paidós, Barcelona, 2003. [↩]
Valga la redundancia, pues cinefilia y masoquismo bien pueden parecer sinónimos. [↩]
Su obra teatral ya sufrió en 1946 otra adaptación al cine, con guión del propio Van Druten: Old Acquitance, dirigida por Vincent Sherman en 1943 y con Bette Davis y Miriam Hopkins en los papeles que luego harían suyos Jacqueline Bisset y Candice Bergen. [↩]

LA TELEPOUBELLE

2009-05-04T16:32:00.002-05:00

Por JAVIER PÉREZ DE ALBÉNIZ (SOITU.ES)

Tres familias de Badalona, Toledo y Tenerife son arrancadas de sus cómodos hogares europeos y obligadas a convivir durante tres semanas con "tres tribus primitivas que desconocen la civilización occidental", concretamente los Himba, los Mentawai y los Bushman. Se produce el contacto y las primeras reacciones. "Son humanos", confirma una de las féminas ibéricas. "¡Y unos cojones!", asegura un niño de unos diez o doce años "Y digo yo: ¿Qué hacen en tetas?", se pregunta una señorita europea. ¿Estamos ante un ambicioso estudio antropológico? Quizá se trate del rodaje de un documental para la National Geographic. O puede que sea un proyecto etnológico financiado por Naciones Unidas.

Nada de eso, queridos lectores. Este nuevo y televisivo ejemplo de explotación de los pueblos indígenas se llama 'Perdidos en la tribu', y es una vuelta de tuerca al género de la docu-realidad firmado por Cuatro, y presentado por Nuria Roca. Nada original: la versión española de un formato, llamado 'Ticket to the tribes', que ya se ha visto en medio mundo... civilizado. Y el final es sólo uno. Que las familias que participan, tras superar determinadas pruebas, sean aceptados por los indígenas y así puedan repartirse los 150.000 euros que la cadena ofrece como premio. No dicen si a los indígenas les pagan por su colaboración con cuentas de plástico para collares o con botellas de agua de fuego...

"Decid ¿con qué derecho y con qué justicia tenéis en tan cruel y horrible servidumbre aquestos indios", se preguntaba Fray Bartolomé de las Casas. Y tenía mucha razón el cronista de la destrucción de las Indias, pionero en la defensa de los derechos humanos. Me temo que nada bueno puede salir de un espacio como éste, y menos para los indígenas, que en el primer programa son presentados como seres atrasados, sucios, machistas, violentos... "¿Serán capaces los concursantes de volver a sus orígenes? ¿Podrán comer lo que las tribus comen, vestir como ellos visten o matar animales de la misma forma que sus anfitriones?", se preguntan en el programa.

El mito del buen salvaje se basaba en el descubrimiento del otro, del diferente. En aprender de las bondades intrínsecas del indígena, de la ingenuidad de aquellos que han quedado al margen de las maldades de la civilización. Paparruchas. En nuestros días, y en la televisión, somos más partidarios de una subdisciplina que podríamos denominar 'antropología del consumo'. Ya saben, esos actos socialmente ritualizados, y por supuesto televisados, que consisten en aprovecharse de los que consideramos inferiores para conseguir audiencia. El mito del mal salvaje.

PIRATERÍA VS. NUEVOS MODELOS DE NEGOCIOS

2009-05-04T14:53:00.002-05:00

Del Manifiesto de la Asociación de Internautas: Sobre el canon y los derechos de autor

El manifiesto sostiene que hay que "armonizar el 'viejo' derecho individual de autor con el derecho de todos a la cultura, y no solo elaborando códigos de conducta sino también explorando nuevos modelos de negocio". "A su vez la Industria de contenidos debe asumir que los modelos de negocio que no puedan competir en el nuevo escenario tecnológico, en el que se desarrolla la creación cultural, tienen que desaparecer y no pueden sostenerse artificialmente a costa de restringir las libertades civiles", solicita el manifiesto.

En este sentido, la Asociación carga contra el canon y contra los productos culturales que no son capaces de competir en la actual coyuntura.

LA CONDICIÓN PÁNFILO

2009-05-04T14:42:00.002-05:00

Tomado de eichikawa.com/ escrito por Emilio Ichikawa

Para Lauzán y Elena Tamargo,

qaue aman la risa y la calle

Y sin embargo, Pánfilo da la oportunidad de pensar ciertas cosas. A esta altura del juego, he podido vivir en ciudades nevadas, he comido solo vegetales por temporadas, he dejado al lado el español y… Nada, no me sale el sistema filosófico por ningún lado. De hecho, formalmente hablando, cada día me siento más cerca del haiku que del tratado. Así que es falso lo que decían Figueras, Mañach y tanta gente: ni es la dieta cargada de cerdo, ni el calor, ni el idioma, lo que ha empantanado el pensamiento filosófico cubano.

No es lo anterior lo que infertiliza el pensar sistémico de un cubano; lógica y formalmente hablando. Al menos de este cubano. Yo creo que lo que más perjudica la existencia de una filosofía cubana, y hablo de una situación heredada cuyo origen desconozco (aunque me puedo inventar), es la falta de prestigio social que tiene esa disciplina. Considero que si en lugar de filosofar un cubano tiene talento para jugar pelota, hacer política (es casi lo mismo) o cultivar alguna otra rama del saber, debería hacerlo. Nuestros filósofos valen muy poco.

Las mentes filosóficamente más dispuestas que yo conocí en la Facultad de Filosofía de la Universidad de La Habana se han dedicado a hacer otra cosa. Y lo celebro. Rafael Rojas decidió dejar el oficio y se hizo historiador, igual que Marial Iglesias y María del Pilar Díaz Castallón. Jorge de la Fuente se hizo un exitoso empresario y Jorge Núñez Jover un ejecutido de la Educación Superior. En cuanto le dieron una oportunidad Velia Cecilia Bobes ostentó su condición de socióloga y Arnaldo Fernández de abogado. Etc. Yo justifico y pregunto: ¿Y cómo cree usted que se puede hacer filosofía en Cuba cuando uno ha estado madrugadas enteras escribiendo y pensando, dejando de lado otros placeres, y se aparece el cabrón de Pánfilo y en tremenda nota, como un genio ingenuo (a lo Schiller) le espanta en la cara el más grande dictum (filosofema) de la historia intelectual cubana; “!Aquí lo que falta e´ jama!”.

Lo que quiero decir es que frente a ese hecho, muertos de envidia como Sócrates ante Protágoras por el amor de Cratilo, la filosofía cubana, desde José Agustín Caballero hasta Cintio Vitier, han hecho un par de cosas:

1-Obvian a un tipo como Pánfilo, lo niegan.

2-Toman nota de su existencia, pero deseándolo cambiar. Es decir, queriendo enseñarlo a pensar (primero o después, da igual), a ser ilustrado, moderno, revolucionario, etc.

Yo creo que el único chance que tiene la filosofía cubana, si acaso, es expresar la “condición pánfila” y, si decide meterse en rollos axiológicas, edificar una apología. Un elogio de esa gente que la élite intelectual siempre está dispuesta a negar aunque se divierta con ella.

LA RAMPA EN SU ESPLENDOR

2009-05-03T09:02:00.002-05:00

Por Avelino Víctor Couceiro Rodríguez | Fuente: CUBARTE 15 de Diciembre 2008

El detonante del auge rampero fue la construcción en 23 (hoy # 258) y L desde 1946 y hasta su fastuosa inauguración el 12 de marzo de 1948, del edificio Radiocentro S.A., donde Goar Mestre (y sus hermanos Luís Augusto y Abel), dueño desde 1943 de la exitosa CMQ Radio antes en Monte y Prado, la Casa de las Medias, se había impuesto en la competencia a Radio Cadena Azul tras inversión de 25 mil pesos; ahora proyectaron unir las emisoras radiales en este Vedado donde preveían el corazón de la capital. Ya el 10 (23) de diciembre de 1947 inauguraban el cine Warner(1), que en enero de 1953 compran a la Warner Brothers y llaman Radiocentro, como todo el edificio, y desde 1968, por el Centenario de La Demajagua, cine Yara. Al comprar estos terrenos a Evangelina Duré, Mestre le prometió dejar alguna edificación (en efecto, la que dejó al lado del Yara) y que aumentaría el valor de los terrenos; y así fue, de donde devino el auge rampero.(2)

El Radiocentro queda como un ejemplo pionero del edificio polifuncional en la arquitectura racionalista cubana, con múltiples usos explícitos arquitectónicamente(3). Además del canal 2 en P entre 23 y 25 y el de Pumarejo en Mazón, estaba este del Radiocentro con la torre CMQ-TV que inició por el canal 6, con lo que el lunes 18 de diciembre de 1950, Goar Mestre cumplió su palabra: había televisión en Cuba (4); además de los estudios de televisión y radio del FOCSA.

Se hizo famosa la cafetería en los bajos del edificio Alaska, porque allí acudían los artistas de tanta creación audiovisual durante sus descansos, aunque también estará La Arcada con su café exterior, en el mismo edificio del Radiocentro, cuando este cobija desde su fundación el 24 de mayo de 1962 al Instituto Cubano del Radio, y desde 1965, al Instituto Cubano de Radio y Televisión (con rango de Ministerio), que emite hacia toda Cuba (y fuera de Cuba) los distintos canales de televisión y varias emisoras radiales cubanas, y recibe todo el potencial artístico y otros profesionales, empleados y visitantes. Ya ello explica uno de los muchos centros de trabajo ramperos que enriquecen la población flotante local (bien sea por motivos profesionales y laborales en general, o como público de los distintos programas “en vivo” y otras presentaciones)(5). Pero no es el único centro de trabajo, ni siquiera el único centro de trabajo artístico, que atrae población flotante a La Rampa.

Con el Radiocentro, los Mestre lograron aumentar el valor de estos terrenos, lo cual permitió elaborar un proyecto de avenidas de comunicación y de recreación como tenía New York, tal y como soñaban los empresarios cubanos con relaciones en Estados Unidos de América (EE.UU.); esto coincide con el proyecto urbanístico del presidente Batista para levantar edificios de diversos tipos mediante empréstitos estadounidenses, y también con el proyecto para el turismo que tenía la Mafia de EUA con grandes cabaret sostenidos por el dinero que darían los casinos de juegos, sin obviar los llamados “turismo de masas” y la “trata de blancas” (prostitución… que no sólo “trataba” blancas), todo lo cual identificará La Rampa en los años cincuentas, incluidas dos escuelas de diller, que eran quienes manejaban las mesas en estas casas de juego(6).

El Centro Comercial La Rampa al iniciar 23 y P, era un conglomerado de establecimientos, tiendas y parqueo en el hoy Instituto de Aeronáutica Civil de Cuba (con rango de Ministerio), bancos, Cubana de Aviación y otras; un establecimiento vendía automóviles (en los altos se exhibían y abajo estaban los talleres) donde la Revolución instaló la Casa de la Cultura Checoslovaca y desde la década finisecular, el Centro de Prensa Internacional. Un grupo de artistas plásticos de reconocida ejecutoria en la pintura abstracta tachista e informalista; entre el 18 y el 28 de abril de 1953 en la galería de este Centro Comercial La Rampa y por el Departamento General de Cultura del Ministerio de Educación, rompió de manera decisiva con el desarrollo de las artes visuales cubanas: el Grupo de los 11 se pronunció por nuevas formas y acunó la abstracción al introducir el informalismo con el que predominan dentro de la abstracción en Cuba como aporte a nuestra plástica.

Su período se ha estimado entre 1953 y junio de 1955, aunque ya en marzo de 1952 se le valoran antecedentes en la exposición Agustín Cárdenas – René Ávila en la Central de Trabajadores de Cuba, raíces desde las que ya se les nucleaban (y continuarían) otros artistas plásticos como Manuel Couceiro Prado, quien evolucionaría a una suerte de surrealismo caribeño, y en el mismo año 1952, el pintor Pedro de Oraá, quien en vez de la llamada abstracción lírica con que se ha valorado a “los Once”, abrazaría la abstracción concreta. No obstante, se considera “el grupo” desde esta su “exposición inaugural” con palabras de Joaquín Texidor en el catálogo, que tituló Once pintores y escultores(7). A pesar de su vida relativamente efímera, el Grupo de los Once ha sido considerado el gran hito de las artes plásticas cubanas en la década de los 50(8).

En 23 y M, la Funeraria (de lujo) Caballero, del arquitecto español Joaquín Rallo, al devenir el entorno tan festivo, cesó estas funciones a fines de los sesentas para ser centro experimental de cultura que mostró algunas obras teatrales en el sótano y pronto radicaron aquí oficinas para dibujos animados de la televisión al frente, hoy Departamento de Estudios Cinematográficos de la Televisión Cubana; en 1954 el Edificio del Seguro Médico en 23 # 201 esquina a N, ganó el Premio de Arquitectura, obra de (Antonio) Quintana, Rubio y Pérez Beato, con oficinas abajo, y en los altos, apartamentos muy caros como casi todos en La Rampa, propiedad horizontal, podían costar hasta más de 20 mil pesos con plazos de más de 50 pesos; y muchos no la recuerden, mas Eduardo Vázquez afirma haber visitado la muy popular sala de teatro que se inauguró aquí el 1 de marzo de 1957 y sesionó hasta fines de los sesentas: la Arlequín, pequeña sala con 164 lunetas(9). Hoy en el edificio radican el Ministerio de Salud Pública, la Agencia de Prensa Latina y en los bajos, la famosa tienda Indochina.

Entre otros hitos del apogeo rampero y su singular significado para toda Cuba, se destacan el cine (hoy de ensayo) La Rampa en 23 entre O y P (foto del autor), 1955, del arquitecto Gustavo Botet, uno de los más lujosos cines entonces, con sus famosas salas de estar para conversar, su rampita interna que reproducía la rampa que al exterior, daba nombre a la calle, la barriada y al propio cine, y sus cafeterías como tenía todo cine, pero en particular en este, una puerta en la pared de la pantalla conducía a la cafetería Wakamba(10); también el cine La Rampa tenía un centro nocturno a manera de sótano, y el pintor Manuel Couceiro Prado dirigió la Galería Arte y Cinema La Rampa que estuvo en función de las luchas del Movimiento 26 de Julio (hasta su clausura en la represión del 5 de septiembre de 1957), a cuyos artistas fue dedicada como Galería Habana tras triunfar la Revolución. La competencia haría generar frente al Wakamba, el Maraka´s y al doblar, el Karabalí; La Zorra y El Cuervo vendía papas rellenas con picadillo de carne por $0.10 centavos, perros calientes, croquetas de pollo pero sobre todo, de panza de res, o churros; entre los centros nocturnos, estaban el Club 21 en 21 y N (famoso por su vida liberal y bohemia), el Club 23 en 23 e/N y O, La Red en 19 # 151 esquina L, el Karachi en J y 17, el Tikoa en Ave. 23, el Amanecer en 15 # 112.

En 1956, el edificio del Retiro Odontológico (L entre 23 y 21, hoy Julio Antonio Mella tras acoger la Universidad Popular José Martí y hoy, la Facultad de Economía de la Universidad de La Habana, luego Geografía y otras, incluso Facultad Obrero Campesina) obtuvo Medalla de Oro del Colegio de Arquitectura;(11) y se erige el edificio de la compañía Fomento de Obras de Construcción Sociedad Anónima (FOCSA, del arquitecto Ernesto Sampera), que entre M y N y de 17 a 19 constituye más que un foco, toda una zona de focos comunitarios diversos, evaluado una de las siete maravillas de la ingeniería cubana con su forma en Y, otro ejemplo del edificio ciudad con todas sus funciones satisfechas internamente(12), y al frente, en 17 y M, el restaurante ambientado inglés El Conejito, inaugurado el 17 de octubre de 1966 como taberna de montaña, del arquitecto Gustavo Botet, con el trago “Enroque” y recetas a base de conejos.

Surgen otros edificios administrativos tanto estatales como privados, además de aquellos para residencia de otros sectores sociales, como el Maco Maco en M e/19 y 21, o el Altamira en O e/19 y 21, El Caribeño actual Los Andes en 21 # 63,(13) y desde los años 40, en 21 y M el Restaurante Colony del judío Stéfano (comidas hebreas europeizadas sobre todo por vía eslava, local que también alquilaban para despedidas, fiestas y celebraciones con carácter culinario, y comidas por encargo), que en 1953 los cubanos Cabanela convierten en La Roca y asimila asimismo la cocina francesa, extendida luego al Monseigneur en O # 122 esquina 21 con su langosta thermidor de origen francés, con mayonesa, las peñas de Ignacio Villa “Bola de Nieve”, la haitiana Martha Jean-Claude, Teresita Fernández…

Los ecos universitarios desde el sur llegan a esta Rampa costera, como en 19 y L “la bombonera”, así llamada a manera de piropo por residir aquí las muchachas que estudiaban en la Universidad, valoradas por sus atractivos como “bombones finos”, y tertulias como las de José Antonio Echeverría en la cafetería Las Delicias de Medina (hoy pizzería Vita Nuova) en L y 21; y el 13 de marzo de 1957, la toma de Radio Reloj con la muerte entre otros del Presidente de la FEU, José Antonio Echeverría; y más recientemente, el Hotelito Universitario.

Notas:

(1) Función de gala con el estreno del entonces famoso filme estadounidense Night and Day (dura más de dos horas, dirigido por Michael Curtiz con Cary Grant, Alexis Smith, Jane Wyman, Monty Woolley y Eve Arden; aborda la vida del compositor Cole Porter) a la que asistió el Presidente de la República Dr. Ramón Grau San Martín, y la entrada llegó a costar 10 pesos, muy caro entonces; cine que entonces y después, se ha identificado por incluir lo más novedoso de las salas cinematográficas en el mundo.

(2) Se ha señalado que el Radiocentro, con sus seis plantas y media, contaba con 4,800 metros cuadrados y su área de fabricación fue de 3,200 metros cuadrados; que el edificio tuvo un costo aproximado de 750 mil pesos; su torre y antena tienen base sobre la azotea del nuevo edificio a 40 metros sobre el nivel del mar, esto es, la cuarta elevación de toda la ciudad de La Habana, y la altura de torre y antena son 385 pies sobre el nivel del mar; pesa 70 mil libras, y su resistencia garantiza soportar vientos de velocidades jamás alcanzadas, por lo que ofrece seguridad absoluta ante ciclones. Sobre la torre de CMQ TV, escribió la prensa: “Es un canto de acero que se eleva a lo infinito, cual reto poderoso de civilización, cultura y progreso, que lanza a las generaciones venideras, la voluntad férrea del hombre”.

(3) Era una sociedad anónima que agrupaba negocios de radio, teatro, cine y publicidad (CMQ Radio, CDS Radio, CMQ Televisión, Radio Reloj, comercio de matrizar programas musicales y exportar radionovelas, cuyos libretos cubanos vendían) y otros negocios menores, sin tantas ganancias, como en la hoy farmacia, autos Buick, y en los altos (hoy restaurante Mandarín), un comercio de La Parker vendía materiales de oficina, lavandería, peluquería, fotografías e implementos fotográficos; tenían acciones en la fábrica de jugos Bander, compotas Hard, chocolate Kresto (que había enriqueció a Goar Mestre), caramelos de Alicia, varias dulcerías, productos Keyton, cine Arenal, la Balear Motors como representante de la Buick, velas El Santísimo y la compañía de construcción llamada Fomento de Obras de Construcción S.A., que hacia 1956 construiría y legaría sus siglas el edificio FOCSA en la misma área de La Rampa costera.

(4) El 18 de marzo de 1951, por el 18 aniversario de la fundación de la empresa regentada por los hermanos Mestre, se trasmite desde las 8 p.m. una programación especial que ha quedado en la historia y deja organizada la programación incluidos los dramatizados (misterios y otros), comedias, la pelota, musicales, show, programas de participación, lo que se anuncia que se ampliará progresivamente, como en efecto fue.

(5) No en balde varios de sus espacios explicitan desde sus títulos, puntos de referencia locales: 23 y M, Cerquitica del Vedado, etc.; otros muchos aluden en el guión, las imágenes, etcétera; y muchos más, implícitamente.

(6) Batista modificó la Constitución para que los diller (enviados por la Mafia, sobre todo, aunque no sólo, desde EUA) fueran considerados técnicos extranjeros y pudieran venir por más tiempo y mejores condiciones a preparar cubanos.

(7) Ellos son según un experto como José Veigas, los escultores Francisco Lázaro Antigua Arencibia, Agustín Cárdenas Alfonso, Tomás Oliva González (también grabador), Antonio Vidal Fernández y José Ygnacio Bermúdez Vázquez (ambos, también pintores) y José Antonio Díaz Peláez, también dibujante y platero; y los pintores Hugo Consuegra Sosa (a quien se le atribuye la paternidad del término de “Los Once”), René Salustiano Ávila Valdés (también dibujante), Fayad Jamís Bernal, Guido Llinás Quintana (también grabador) y Raúl Martínez González, también diseñador gráfico, dibujante, fotógrafo y diseñador, luego un clásico del pop cubano, así como Viredo Espinosa Hernández, quien reside y trabaja en EUA. Pero al margen de las polémicas en cuanto a la pertenencia o no a tal grupo, no pocos nombres cimeros de las artes plásticas cubanas protagonizaron tal acontecimiento al lado de los citados, sobre todo si aceptamos (como reconocen otros especialistas) la extensión del Grupo en el tiempo hasta 1963, entre ellos, pintores como Servando Cabrera Moreno, Julio César Matilla, Antonia “Ñica” Eiriz Vázquez y Juan Tapia Ruano (ambos además, grabadores), Zilia Sánchez Domínguez (además, escultora), Salvador Zacarías Corratgé Ferrera (además, ceramista) y Manuel Vidal Fernández (además, grabador, dibujante y diseñador gráfico) así como el fotógrafo Mario Félix García Joya.

(8) Entre otras influencias que lega, abrió paso al Grupo de los 10 y la otra gran tendencia de la abstracción cubana: los concretos, encabezados por Pedro de Oráa, Loló Soldevilla, y otros. Según Elsa Vega, especialista del Museo Nacional de Bellas Artes en entrevista al programa televisivo La Otra Mirada (Canal Educativo, 2008) es entonces que las artes visuales cubanas están en sintonía con el quehacer plástico mundial y los cubanos manejan al unísono lo más actualizado del arte mundial creando a la par, y esta abstracción que llama lírica, lo demuestra.

(9) Tuvo un repertorio taquillero pero hacia 1958 estrenó Las Sillas de Leonet, un paso hacia la vanguardia teatral de entonces en Cuba; luego la versión de El Bello Antonio, interpretaciones de María de los Ángeles Santana… un lunes de teatro cubano Nelson Dorr estrenó Las Pericas, de su hermano Nicolás; José Milián dirigió su Otra vez Jehová con el cuento de Sodoma, cuyo personaje Dante Alighieri (dramático) interpretó con excelencia Carlos Ruiz de la Tejera, hoy reconocido humorista; y Pepe Santos estrenó Colón USA. Su dueño y director de esta pequeña sala Arlequín, era Rubén Vigón, cubano que estudió producción en una universidad de EUA y vivía en calle 25.

(10) Inaugurada con el filme Wakamba (grupo étnico que habita en una subregión de Kenya, África) por el Museo Americano de Historia Natural, el 16 de julio de 1956, primera en Cuba con autoservicio anexo, cuyo pollo “wakamba” obtiene 1er. Premio en el encuentro de platos regionales en Pinar del Río, en noviembre de 1988.

(11) Obra de Antonio Quintana Simonetti (a quien se deben obras durante la Revolución, como el Palacio de las Convenciones en el hoy municipio Playa); fue construido con los fondos del retiro de los odontólogos y entre sus planes estaba dedicar pisos a consultas de dentistas, por lo que se le llamó “edificio del terror”. Contó en su 7mo. Piso con una de las escuelas de diller para manejar los casinos, detrás de lo cual estaba el famoso Mayer Lanski, uno de los grandes representantes de la Mafia en Cuba; y entre otros tantos aportes a la cultura cubana, el 26 de junio de 1954, en un local adaptado a teatro arena precisamente por Quintana, se estrenó en Cuba La Ramera Respetuosa, de Jean Paul Sartre, origen para la pequeña sala teatral Talía que estrenaría otras obras de la vanguardia teatral de antaño, como Las Criadas, de Jean Genet, y aun ha continuado para los Festivales de la Federación de Estudiantes Universitarios (FEU)

(12) Incluyen el teatro Guiñol con la familia Camejo que introduciría el Pelusín del Monte (de Dora Alonso), el club Scheherezada inaugurado el 20 de diciembre de 1957 con la huella de César Portillo de la Luz, Elena Burke, Ela Calvo, Pacho Alonso y otros hitos de la música cubana; restaurantes como El Emperador y La Torre (al corte de La Tour francesa) con su mirador y su bar, y hoy emisoras provinciales de radio y la Empresa de Música Benny Moré… complejo digno de otra monografía que también se enriquece por las personalidades que lo han habitado y visitado (Adolfo Guzmán en su último piso, Isolina Carrillo, etc.)

(13) Frecuentado por Moraima Secada “La Mora”, además de Elena Burke y Omara Portuondo, de Las D´Aida, trata de incluir comida típica de esas regiones, incentivando un sentido exotista dentro del cosmopolitismo que naturalmente, afluía, y en un edificio que ya no era precisamente el más alto ni el más “andino” de esta “cordillera rampera”.

PARíS: RECORDAR ES VOLVER A VIVIR

2009-05-02T12:26:00.003-05:00

EL CAFÉ DE FLORE: UN MITO DE SANT GERMAIN

tomado de ELPAIS.COM la comunidad

Es un clásico de la capital francesa.¿Quién, habiendo pisado suelo parisino, no ha oído, al menos, hablar de este famosísimo café?

El "Café de Flore" (sí se escribe "café", en español) y su gran rival,"Les deux Magots", son los establecimientos más célebres del Boulevard Saint Germain. Ambos están situados a pocos pasos de la iglesia más antigua de París: la Iglesia de Saint Germain des Pres.

En el 172 del citado boulevard podemos ver, sobre la barandilla del primer piso, una cantidad ingente de plantas y flores, algo que verdaderamente llama la atención.

En el bajo del mismo podemos visitar este café cuya loneta sobre su puerta principal te anuncia el nombre del establecimiento con grandes letras.

¿Y qué dice la leyenda de la intelectualidad del Café de Flore?

Como su famoso rival "Les Deux Magots", el "Café de Flore" puede reclamar haber estado en el corazón del Movimiento Existencialista durante su periodo más incipiente de mitad del siglo XX. Sartre, Simone de Beauvoir, Camus y otros solían encontrarse con regularidad en sus mesas.

Por estar situado en el intelectual barrio de Saint Germain-des-Prés, cuna del existencialismo, al atravesar su umbral se puede percibir un perfume que mezcla la filosofía y personalidad que se encargó de impregnar Simone de Beauvoir, eterna compañera de Jean-Paul Sartre.

Junto a lo que ellos llamaban su "familia" se criaron entre risas, cigarrillos y café, una de las corrientes filosóficas más importantes de nuestro siglo.

El Café de Flore fue tal vez el más mítico de todos los cafés de la década de los 50 en un París revolucionado y rebelde, aunque no fue el único.

De aquí nació una de las más célebres características de todos los cafés de esta época: un color común y muy significativo, el Rojo Carmesí. Este color será a partir de ahora la columna vertebral que unirá a estos locales con esta época.

¿Por qué este color? Simplemente por sus significados: Rojo Carmesí, Rojo Pasión, París ciudad de la pasión eterna y única. Rojo Revolucionario, Izquierda auténtica. Sangre, Existencia: Vida.

Otros artistas como Modigliani, Picasso y Soutine solían visitarlo con bastante regularidad.

Picasso era un poco particular. Por la noche, Picasso se sentaba siempre en la segunda mesa, frente a la entrada principal, en compañía de sus amigos españoles. No hacía nada sino beber, a sorbitos, una botella de agua mineral, además de charlar con sus amigos y estudiar a la gente que no lo miraba directamente. Su bebida terminada, sin más, volvía siempre a casa.

Pero la realidad dista cierta distancia de esta leyenda intelectual. Aún manteniendo que muchos artistas fueron visitantes del Café de Flore, la rivalidad feroz con Les Deux Magots, llevó a ambos cafés a diferenciarse en todos los aspectos, incluso en los más radicales.

En los años cuarenta la llegada del existencialismo igualó las visitas a ambos establecimientos. El Café de Flore estaba asociado popularmente a la extrema derecha, el otro, a la izquierda.

Por ello, cuando Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir llegaron a Saint-Germain-des-Prés, no tuvieron dudas y huyeron como de la peste del Café de Flore, que era el cuartel general de Charles Maurras, fundador de Acción Francesa.

Sin embargo, la presencia de la pareja atrajo a una multitud de turistas y los dos intelectuales prefirieron cruzar la carretera y no volver nunca más, aunque su decisión logró abarrotar ambos locales.

Esta fama adquirida en los años cincuenta hizo que el interior del café se mantenga casi intacto desde entonces. Está decorado en Art Decó. Los asientos siguen siendo de color rojo y los muebles y espejos son de caoba, una madera muy noble.

En el exterior, los veladores y sillas son de una calidad más común, preparados para soportar cambios de temperatura y agua de lluvia.

Una curiosidad, ¿piensan Ustedes que el nombre del café viene dado por las plantas y flores que están en su fachada? Es muy posible porque yo mismo así lo tenía pensado.

Pero la respuesta es que no. El nombre nace porque muy cerca de allí, en una plazoleta, hay una pequeña estatua dedicada a la "Diosa Romana Flora". El "Café de Flore" es, por tanto, el café de la Diosa Flora.

POESIA, PORQUE NO.

2009-04-30T17:39:00.001-05:00

Entre Vallejo y yo

Juan Mauel Oliva, Bayamo. Cuba

Sólo tengo ya la duda y la noche

Dios inerte a la soledad me lanza

y en la tierra no recojo mi labranza

de esos tiempos solo llega ya el reproche

me ha dado una soga y el derroche

de un palo que en mis carnes se abalanza

se hunde tenue, doloroso y la esperanza

taciturna y sin vuelo rompe el broche

de un pacto que se gasta con esmero

aún con miedo, orfandad o luz del día

del misterio y su imagen ya no espero

a un dios muerto que no empuja el velero

no seré más tu olor ni la entropía

ni tendré ya París con aguacero.

LA PIRATERÍA NO ES SOLO EL PROBLEMA DE LA EXPERIENCIA DE IR AL CINE

2009-04-29T16:07:00.003-05:00

tomado de BOGDECINE/ Escrito por Antonio Toca

La ministra Sinde cree que el paulatino descenso en el número de espectadores que van a las salas de cine en España se debe a la piratería. Incluso tiene la convicción que las descargas en Internet son la causa y efecto de esa tendencia negativa, y lo que es peor, que afectan en alto grado a que el cine español sea poco visto. Aquí, antes de entrar a repasar el resto de los problemas que tienen que ver mucho más que la manida piratería, me hago una par de preguntas: ¿qué pasaría si las películas que no son rodadas en español se viesen en su idioma?, ¿se verían las películas españolas beneficiadas en la asistencia a las salas donde se proyectasen? Pues eso.

Volviendo a la razón de ser de esta entrada, encuentro un estudio realizado en siete ciudades americanas y tres europeas a cargo de PA Consulting y la Motion Picture Association of America, donde se indica que el descenso global en la asistencia al cine no sólo es consecuencia del resultado de un contenido pobre, sino que es una combinación donde la experiencia de ir al cine se ha vuelto no satisfactoria, y que además, se ha incremento la competencia entre las opciones de ocio que escoge el consumidor para compartir su tiempo y su dinero.

Por tanto, conviene fijarse en lo que supone de verdad a día de hoy la experiencia de ir al cine, porque es ahí donde encontraremos enumeradas las 10 razones que están causando la muerte del cine, historias y marketing de las películas a un lado. Una evidencia, la piratería ocupa el último lugar de la lista. ¿Y las otras nueve?

De primer lugar a último, tenemos:

Las pantallas planas y los televisores de gran tamaño que hacen parecida la experiencia de ver una película en una sala
La alta definición y la calidad ofrecida.
El Timeshift o que la gente quiere ver lo ella quiera y cuando quiere.
El catálogo disponible cada vez mayor de películas en vídeo bajo demanda.
El importante apartado de los precios, ya que ver una película en casa supone 2/3 de lo que cueste la entrada del cine.
Mascar haciendo ruido, con idiotas sorbiendo coca cola, rebuscando en las palomitas con ganas, y escuchando el crujir de los envoltorios de los caramelos.
Los móviles, con los tonos sonando de los móviles no apagados o puestos en silencio, viendo sus pantallas iluminadas 10 filas delante.
Las conversaciones entre gente que no respeta el silencio de los cines, se están dando con más frecuencia durante las películas.
La calidad media de las películas, que por lo general ahora mismo espobre (se apunta en el estudio que si Slumdog Millionaire ha recibido el Oscar a la mejor película, algo falla.

Por último, la piratería, por la facilidad con la que se puede tener, copiar y distribuir.

¿Qué conclusiones sacamos de estas razones? Todo apunta a lo que se ha convertido la experiencia que supone ir al cine. Es decir, que haya menos gente dispuesta a ir a las salas, tiene más de componente social que echarle la culpa a la descarga de películas a cargo de los espectadores. Eso no supone que luego no vayan al cine, porque no implica que una película conseguida por un medio alternativo, suponga al final una entrada vendida. Nadie está en la mente del espectador. Simplemente, y conviene que la ministra Sinde también lo valore, es un problema social que afecta a la experiencia vivida, y está por lo general, suele estar llena de inconvenientes, ser poco confortable o satisfactoria y cara.

METRO DE PARIS: RECORDAR ES VOLVER A VIVIR

2009-04-29T10:46:00.005-05:00

UN RECORRIDO CULTURAL POR EL METROPOLITAN DE PARIS

POR Por ISABEL SANCHEZ (SOITU)

No es el más antiguo del mundo, ni el más extenso, ni (a pesar de los esfuerzos de la RATP —consorcio de transporte en la Île de France—) el que mejor funciona; pero todos sus usuarios coincidimos en que tiene un encanto que envidia el resto de metros. Y esto lo notas enseguida, antes de entrar. Sus características bocas de metro en hierro forjado estilo 'art nouveau' han hecho del 'métropolitain' un emblema de la ciudad, que aún conserva 86 de las entradas originales que Guimard diseñó en 1889, antes de su apertura.

Una vez dentro del subterráneo, el impacto estético continúa. Es cierto que el estilo definido en sus comienzos no ha logrado conservarse a lo largo de todo el trazado, y el resultado es que nos vamos encontrando con la publicidad y la suciedad que se espera de un metro de gran ciudad. Pero lo que no esperamos son las sorpresas decorativas de algunas de sus 300 estaciones en uso.

La primera en ser "disfrazada" fue Louvre, que ya formaba parte de la primera línea abierta en 1900. Fue en 1968 cuando la ahora Louvre- Rivoli empezó a exponer en sus muros réplicas de las más conocidas obras de arte del museo que le da nombre. La estación de Varenne (línea 13) sigue su ejemplo y hace lo mismo con las obras del cercanomuseo Rodin. Arts et Metiers sorprende al viajero sumergiéndolo en un mundo de ciencia ficción inspirado en Julio Verne. El dibujante belga de cómics François Schuiten la vistió de este modo, ofreciéndonos un viaje alternativo en cada ojo de buey de sus muros. No olvidéis asomaros, ¡todos son distintos!

Otras estaciones de las llamadas "culturales" son Bastille (línea 1), cuyos muros conmemoran el bicentenario de la Revolución Francesa; Bonne Nouvelle (líneas 8 y 9), de ambiente cinematográfico; Cluny-La Sorbonne (línea 10), consagrada a los escritores del Barrio Latino o Parmentier (línea 3) que nos explica la historia de ¡la patata! Y muchas más...

La Gare de Châtelet-Les Halles sorprende siempre, aunque no por su decoración. Se trata dela estación subterránea más grande del mundo y es el nudo central del transporte en Île de France. Con cinco líneas de metro y tres de RER (el expreso regional parisino) ve pasar cada día a más de un millón de usuarios apresurados. Cintas transportadoras al estilo de un aeropuerto facilitan la movilidad por los interminables pasillos de correspondencia. Quizás lo más difícil aquí es encontrar el cartel de dirección correcto en su enorme hall, por lo que es muy normal cruzarte con miles de turistas confundidos a lo largo del día. Los pintorescos PILI ayudan en estos casos. Son mapas del trazado de metro que con pequeñas bombillas iluminan la ruta a seguir con sólo pulsar la estación de destino. Empezaron a funcionar en los años 30 por lo que ya no encontramos muchos. El equivalente actual es la web de la RATP que, si bien no tiene ese encanto, es una especie de oráculo para los viajeros que desde su móvil la consultan cada día.

Pero perderse en las entrañas de este suburbano no tiene por qué ser un drama: son muchos los músicos de todo tipo (acreditados o no) que encuentras en pasillos y andenes, haciendo agradable tu vuelta al camino correcto. Hasta hace poco, los usuarios del metro parisien pudieron votar por su favorito en un concurso musical que ha llevado a Alex Balduzzi, el ganador, al escenario de un club de moda parisino.

Encanto aparte, el metro de París es rápido y seguro. Las esperas en el andén no superan los dos minutos en hora punta y se trabaja para evitar los accidentes que en algunas ocasiones dificultan su funcionamiento normal. La línea 14 es el mejor ejemplo de lo que se espera que sea el subterráneo en un tiempo. También conocida como Météor (Métro Est-Ouest Rapide), la 14 se conduce sola (si subes al primer vagón te sentirás como un auténtico conductor de metro) y las estaciones a las que sirve cuentan con un dispositivo de puertas automáticas en los andenes que impide caídas o suicidios. Toda la línea tiene un aire futurista donde espacio y la transparencia conviven con algunas sorpresas, como el exótico jardín integrado en la Gare de Lyon.

Hemos dicho que París tiene 300 estaciones en las que apearnos, pero lo cierto es que los puntos preparados para el descenso son 384. Estaciones que dejaron de usarse o que ni si quiera llegaron a abrirse son las que se conocen como stations fantômes (fantasmas).Algunas pueden verse desde los vagones; otras, como Haxo ni siquiera cuentan con accesos desde el exterior. Todas despiertan la curiosidad y estimulan la imaginación de los parisinos, que las han convertido en carne de leyenda.

Quien es ya, indiscutiblemente, una leyenda del metro de Paris es el lapin du métro parisien,un conejito rosa que en pegatinas adheridas a las puertas advierte desde 1980 (en varios idiomas) del peligro que supone acercar tus manos a la mismas. Dirigido en un principio a los niños, tiene fans de todas las edades y no es raro, en los comienzos del curso escolar, encontrar algún novato de las Grandes Écoles parisinas luciendo sus orejas largas y rosas.

Además de ser la mejor forma de moverse por la ciudad, el métropolitain ofrece muchas sorpresas a los viajeros. Con sólo un plano y un poco de 'attention à la marche en descendant du train' (el 'Mind the Gap' parisino) el desplazarse de un sitio a otro resulta fácil, ecológico y hasta divertido.

LA MUERTE DE LAS TELEVISIONES

2009-04-29T10:16:00.001-05:00

Por Joan Majó, ingeniero. Ex ministro de Industria (EL PERIÓDICO, 25/04/09):

Existen tres formas de ver televisión. La del pasado (pasiva), la del presente (semiactiva) y la del futuro (interactiva). La primera, que algunos no han conocido, tenía muy pocas cadenas disponibles y no disponía del mando a distancia. Encendías el televisor, te sentabas en el sofá y mirabas “lo que hacían” (en Madrid dicen: “A ver que nos echan hoy…” ). Si no te gustaba, te levantabas, pasabas a otro canal y, en último término, lo apagabas. En el sistema actual, tenemos bastantes más canales gratuitos, una gran herramienta (el mando a distancia) y una guía de programas en el diario. Ello permite cómodamente seleccionar lo que se prefiere y buscarlo de forma fácil, sabiendo la cadena que lo emite.
En el futuro, será muy diferente. La digitalización permite aumentar hasta unos 50 el número de canales gratuitos, permite ver un programa en la pantalla del televisor, en la del ordenador o en la del teléfono móvil. Y, principalmente, permite introducir en cualquier punto de la red “almacenes digitales” (discos duros, de bajo coste y gran capacidad), de modo que los programas estén automáticamente guardados para poder verlos en cualquier momento. Será verdad que se podrá ver “lo que tú quieras, en el lugar que quieras, en la pantalla que quieras y en el momento que quieras”. Esto puede cambiar radicalmente los hábitos de consumo de los productos audiovisuales, especialmente porque no tendremos que elegir entre lo que en un momento concreto están emitiendo las cadenas, sino que seremos nosotros los que decidiremos lo que nos gustaría ver y, con el nuevo mando o desde el ordenador, lo pediremos y lo encontraremos inmediatamente en la pantalla elegida.
Esto no es el futuro, sino algo que hoy ya cuenta con muchos usuarios. Mucha gente ve Polònia en el televisor a la hora en la que TV-3 lo emite, pero muchos lo ven en la pantalla del ordenador, a través de TV3.cat, o del 3cat24 o del 3alacarta, cuando les apetece. Y los más avanzados (los que ya tienen instalado un descodificador digital inteligente) también pueden verlo en el televisor cuando lo desean. Esto es ya el presente. El futuro es la progresiva extensión de este sistema, a medida que los aparatos electrónicos sean de más fácil uso y que la población, ahora joven, vaya siendo mayoritaria. No significa que desaparezca la costumbre actual, más pasiva, pero sí significa que podremos optar entre uno y otro, en función del momento o las preferencias personales.

EN PARALELO, se abre un debate sobre la publicidad en las televisiones, especialmente en las públicas, debate que no tiene nada de raro porque el enorme incremento de cadenas que han aparecido en estos últimos años hace muy difícil la financiación adecuada de todas ellas. Me gustará entrar en este debate, a fondo, en cuanto sea posible. De momento, advierto de que el debate que empieza a promoverse, especialmente por parte de algunos grupos privados, pero también a partir de algunas reacciones gubernamentales, es un falso debate. Se discute como si dentro de cinco años el escenario en el que se va a encontrar el sector audiovisual fuese el mismo que el actual, o sea, el que yo he bautizado como de consumo semiactivo. No entender el cambio que se está produciendo es un gran error que puede invalidar muchos de los argumentos que se utilizan y, por tanto, puede convertir en inútiles muchas de las soluciones que se plantean.
Cuando la digitalización se complete y sea mayoritario el consumo interactivo de televisión, se van a producir tres consecuencias: la muerte del televisor, la desaparición de las cadenas de televisión y el cambio total del negocio de producción y de distribución de audiovisuales. Vamos por partes.
No compraremos televisores (o sea, un aparato con una pantalla, unos altavoces, un sintonizador, un selector de canales, y algunas otras cosas… ). Compraremos una pantalla que colgaremos de la pared o pondremos encima de una mesa. Los altavoces no vamos a necesitarlos porque ya tenemos unos altavoces del equipo de música, con una sonoridad muy superior. El sintonizador y el selector los tendremos separados, en el descodificador o quizá incorporados en el ordenador. Ha muerto la caja que hemos llamado televisor.

MUCHO MÁS importante que esto: no habrá canales de televisión. El canal sirve para saber por dónde nos llega un programa y a qué hora nos llega. Un canal es una frecuencia que corresponde a un botón en el mando y es una lista de programas con horario. Sabiendo qué botón tenemos que apretar y a qué hora, tenemos acceso a lo que queremos. Este sistema es caduco; todos los contenidos estarán almacenados en la red una vez emitidos en directo (o incluso antes ) y podremos pedirlos y recibirlos cuando queramos.
En este escenario, que no será exclusivo porque seguirán habiendo emisiones en directo, las reglas del juego cambiarán. El negocio de los que se dedican a producir y distribuir contenidos audiovisuales debe enfocarse en términos diferentes a los de ahora. Y hay que plantear de nuevo cómo habrá que financiar todo el coste de creación, producción y distribución.
Discutir apasionadamente cómo se reparte el pastel publicitario y las subvenciones públicas, como si las cosas tuviesen que seguir igual que hasta ahora, me lleva a pensar en que se están repartiendo el arroz de la semana pasada cuando resulta que la semana que viene no habrá arroz, sino garbanzos.

Propiedad intelectual: los derechos corresponden al autor del artículo o al medio de comunicación en el que fue publicado.Información: Usted puede enlazar esta entrada. Tanto los comentarios como los pings están cerrados.

MIDIENDO LA FELICIDAD DEL MUNDO

2009-04-28T18:31:00.002-05:00

FrowningSmile es una curiosa web en la que se mide la felicidad y la tristeza en diferentes paises y en el mundo, en general.

La web muestra estadísticas del último mes tanto para todo el mundo como desglosado para varios paises. También aparece un ranking para que veamos en que lugares son más felices hoy. De momento solo hay datos de 22 naciones pero aseguran que irán aumentando este número.

Los datos se calculan a partir de las palabras utilizadas en los blogs y en las cuentas detwitter y se actualizan una vez al día. No hace falta decir que los resultados resultan un tanto aproximados y no se deben tomar decisiones importantes a la vista de ellos. Más bien se trata de un “divertimento” curioso. La verdad es que no dejo de sorprenderme por las cosas que se les ocurren a algunos.

Vía: wwwhat’s new
Web oficial: FrowningSmile

EPIDEMIAS QUE YA HEMOS VISTO EN EL CINE

2009-04-28T18:03:00.002-05:00

Por ALBERTO MORENO (SOITU.ES)

La Alerta ya es de nivel 4. Casi tan cinematográfica como un DEFCON o un estado de alarma. Sin saber por qué, esos códigos nos traen a la cabeza a un Sean Connery algo talludito y de mente despejada portando un fusil de asalto o a un Keanu Reeves corre que te corre. Las fronteras están abiertas y no parece que se vayan a cerrar porque el daño ya está hecho, el virus porcino campa a lo ancho del mundo como en una trama diseñada por Robin Cook.

Golosas han sido para el cine siempre las tramas de humanidad en peligro. Son terreno abonado para que el héroe dé salida a todo su torrente imaginativo y optimice tiempo y recursos. Antes de los títulos de crédito suelen llegar el antídoto y las palmaditas en la espalda porque el malvado lunático ha sido pillado in fraganti antes de soltar su veneno mortal en el río Támesis. De película. No conviene frivolizar, así que nos limitaremos a hacer un recorrido cinéfilo/turístico por algunos de los países que ya han localizado casos de esta mediática enfermedad entre su población.

No hay demasiado que rascar en México, el país de origen y más afectado, al menos en cuanto a producciones recientes; últimamente la zona cero de la infección se especializa en dramas urbanos. Lo que sí podemos hacer es pararnos en uno de sus directores más internacionales, Robert Rodríguez. Corría 2007 y tanto él como su socio Tarantino pensaron que sería buena idea parir una 'grindhouse' (doble sesión de cine B) entre ambos. La del director de 'Kill Bill' tendía al clasicismo (a su clasicismo), pero la del pinche Rodríguez fue un desmadre lleno de zombies devoradores enfermos de un virus manipulado por mafias del ejército. No quedaba títere con cabeza en la descalabrada 'Planet Terror'.

El primer avión de este tour nos lleva cerquita, a Colombia (12 sospechas contabilizadas hasta el momento), patria de Gabriel García Márquez. Más concretamente, a Cartagena de Indias, ciudad donde se especula que tiene lugar la acción de 'El amor en los tiempos del cólera'. Corren los albores del siglo XX y Florentino Ariza (Javier Bardem) descubre las bondades de la incandescente Fermina Daza (Giovanna Mezzogiorno). La madre del protagonista se cree que ha bebido agua de un charco y que se ha infectado como todos los demás pero lo que a él le pasa es que tiene el corazón partío.

Bajamos un poquito más y nos vamos a Brasil (12 sospechas), país que comparte lengua con Portugal y que financió la adaptación del Nobel Saramago: 'Ensayo sobre la ceguera' pasó a llamarse 'Blindness' ('A ciegas' aquí) en manos del director de 'Ciudad de Dios' (Fernando Meirelles). Es la más actual que tocaremos y trata de una epidemia repentina que causa una ceguera lechosa en toda la población mundial sin detonante visible. Tal catástrofe sirve como catalizador a protagonistas para sacar a la luz lo más podrido de su interior.

Cruzamos el charco y nos vamos a España, que es la puerta de entrada de la crisis porcina a Europa y el país donde vivimos. La verdad es que no somos mancos en este género. Haceos cargo de lo bien que se nos da que hasta los yanquis se fijaron en '[REC]', la espeluznante cinta de Jaume Balagueró y Paco Plaza, para hacer su remake, 'Quarantine'. Esta no fue ni mejor ni peor que la protagonizada por Manuela Velasco, fue un calco. PD: Habrá segunda parte.

Pero las cosas no acaban ahí, porque Juan Carlos Fresnadillo, canario nominado al Óscar en 1996 por 'Esposados', fue fichado por Danny Boyle ('Slumdog Millionaire') para darle el relevo en '28 semanas después', secuela de la peli de zombies que él mismo dirigiera en 2002. Con eso ya cubrimos Gran Bretaña, que en el momento en que seescriben estas líneas cuenta también con 12 posibles infectados.

Una barca a remos nos lleva a través del Mar del Norte hastaSuecia (al menos cinco sospechas), donde el desaparecido Ingmar Bergman jugó una tétrica partida de ajedrez con la muerte en 'El séptimo sello'. Bueno, no fue Bergman en el sentido más estricto de la palabra, sino su actor fetiche Max Von Sydow, que a su vuelta de las Cruzadas, con el país asolado por la peste, tenía que vérselas con la dama de la guadaña y ganarla en ingenio.

Hacemos parada ahora enAlemania (cinco casos en observación) para fijarnos en dos directores oriundos de allí pero importados por Hollywood. El primero, Wolfgang Petersen, arrasó por medio del ejército norteamericano (en la ficción) una población de Zaire afectada por el ébola para luego darse cuenta de que un mono portador viajaba en barco a los 'States'. La peli se llamó 'Estallido' y fue un boom de taquilla en el 95. El segundo realizador, Oliver Hirschbiegel ('El hundimiento'), se comió los mocos junto a Nicole Kidman (ya un poco mal retocada) y el nuevo James Bond en la inadvertida 'Invasión'. El virus era alienígena; la peli, también un poco.

Nuestro último destino europeo es Italia, donde de momento, y por suerte, sólo se ha registrado un posible caso en Módena. Pues bien, a muy poquitos kilómetros, en Venecia, Luchino Visconti adaptó de manera casi muda al genio Thomas Mann y a su novelita 'Muerte en Venecia'. El protagonista, un compositor alemán moribundo y consumido de amor (por un efebo), como el Florentino de García Márquez, ve cómo se apaga su vida del mismo modo que la ciudad, invadida de nuevo (como en el caso del colombiano) por el cólera.

No podíamos acabar este viaje sin tomar un vuelo trasatlántico de vuelta a los Estados Unidos —segundo foco más afectado y cuna mundial del cine catastrófico— a modo de broche. Lo más destacado de su contribución lo hallamos en forma de fábula apocalíptica made in Terry Gilliam. El ex Monty Python alumbró en 1995 '12 monos', una de sus más lúcidas obras y 'remake' de 'La jetée', la cual nos hace poner la vista en Francia (cinco casos), que nos la habíamos saltado. Tanto en una como en otra los viajes en el tiempo son parte fundamental de la trama. Centrándonos en la de Gilliam, Bruce Willis es el preso que viaja al pasado para conseguir una muestra del virus que ha reducido la población mundial a un 1% en un intento de que el futuro tenga futuro. Por lo visto, detrás de la epidemia mortal anda un grupo terrorista capitaneado por un psicótico y despeinado Brad Pitt.

Más virus trajo Lawrence Kasdan en 2003 con 'El cazador de sueños', la adaptación de una novela de Stephen King que mezclaba extraterrestres con humanos dotados de poderes paranormales. Una especie de musgo alienígena se adhería a tu cuello para después producir diarreas tan explosivas y mortales que hasta la milicia se tenía que meter por medio. En el reparto destacaban Morgan Freeman, Jason Lee y Timothy Olyphant, pero tanta fantasmada no convenció a casi nadie.

¿Que ambas os parecen demasiado futuristas? Aquí va una vacuna en blanco y negro —porque también el clásico en nos ha traído enfermizos ejemplos—: 'Jezabel' fue la respuesta de Warner a 'Lo que el viento se llevó'. Se estrenó antes que su rival pero eso fue porque la odisea de Victor Fleming tardó la vida en rodarse. Bette Davis es una arpía de cuidado que hace la vida imposible a su prometido Henry Fonda. (OJO, SPOILER). Una vez apartado de su lado y casado con otra, ella decide machacarle sin piedad, pero, al contraer él la fiebre amarilla, Jezabel encuentra la catarsis y se monta en la caravana de los infectados para acompañarle sabiendo que se enfermará. Es el amor, que puede con todo.

CINE ALEMÁN

2009-04-28T15:43:00.002-05:00

'Un conejo sin orejas', comedia romántica a la europea

Beatriz Maldivia

en blob de cine

‘Un conejo sin orejas’ (‘Keinohrhasen’, 2007) es una comedia romántica escrita, dirigida y protagonizada por Til Schweiger (‘Malditos bastardos’), que se estrena el 30 de abril.

Ludo Dekker es un periodista de un “tabloide” berlinés que recibe la orden judicial de pasar 300 horas de servicios sociales en una guardería. La profesora, Anna, sorprende a Ludo diciéndole que le conoce, pero él no logra recordar. Al final, ella le refresca la memoria: cuando eran pequeños, él se metía con ella y la convertía en el centro de las mofas y abusos escolares. Anna odia a Ludo, pero él es tan guapo que ella no puede mantener el rencor durante mucho tiempo.

Quizá sea su origen europeo lo que hace que este film tenga una estética más elegante que la de otros del mismo género, aunque por otro lado, también se le detecta una fotografía más agradecida que la de muchas producciones alemanas.

Los intérpretes, tanto los principales como los secundarios, están muy bien en sus papeles, pero está claro que Til Schweiger es la estrella. Nora Tschirner, en el papel de Anna, le da la réplica con una ingenuidad que consigue empatía, si bien quizá se pasa de la raya.

El género de la comedia romántica no se basa precisamente en contar historias novedosas o en introducir giros de la trama que sorprendan. Por ello, carecería de sentido esperar que una de estas películas se distinguiese por esos motivos. Lo que sí hay que pedirle, y eso es lo que realmente resulta difícil de encontrar, es que funcione, es decir: que sintamos la química entre los personajes y estemos pendientes de ver el devenir de esa historia de amor… Y ‘Un conejo sin orejas’ funciona en todo ello.

Hacia el final, el avance se paraliza y la historia, que está ya cantada, tarda algo más de lo necesario en resolverse. Por otro lado, la verosimilitud se pierde también hacia los últimos minutos, donde va resultando cada vez más difícil creer que un hombre como Ludo esté enamorado de alguien como Anna. El personaje de ella, sumamente pringado, puede ser exagerado e irreal, por ello habría sido interesante que sufriese una evolución y que ésta conllevase una transformación del patito feo en cisne, pues el film pide a gritos un momento de este tipo. Sin embargo, no se hace nunca, probablemente porque Schweiger se lo toma como una declaración de principios: él se tiene que enamorar de ella, a pesar de su físico.

El otro aspecto que busco en una comedia romántica es que sea, en efecto, comedia. Porque muchas veces este apelativo es un cajón de sastre donde meter cualquier cosa que no tenga un tono definido. ‘Un conejo sin orejas’ respira un humor que encaja con su estilo delicado, sin por ello quedarse en lo mojigato de las cintas llamadas familiares. Son buenos los chistes sobre el mundillo del cine y del periodismo y muy curiosos los cameos de los actores reales, especialmente el que abre la película, conJürgen Vogel, protagonista de ‘La ola’ (‘Die Welle’).

Tiene mucho mérito que una película plagada de niños –los hijos del director— y que transcurre en su mayor parte en una guardería, no sea insoportable por la lata que podrían dar los monstruitos, ni tampoco moralista, por la lección acerca de la paternidad que se extraería si fuese un film norteamericano. Emma Schweiger, una de las pequeñas, protagoniza algunas de las escenas más simpáticas.

‘Un conejo sin orejas’ es la posibilidad de recuperar el género de la comedia romántica, tras tanto producto basura estadounidense, que se aprovechaba de la etiqueta para mezclar lo mismo de siempre sin gracia, ni fuerza, y con mensajes aleccionadores de lo más irritantes. Gracias a su factura europea, la película es más vistosa que las mencionadas ydemuestra mucha frescura con respecto a ellas. Merece la pena para cualquier persona a la que le guste este género.

EL DIBUJO ANIMADO DE ARTE: HAYAO MIYAZAKI

2009-04-28T14:16:00.002-05:00

Tomado de LA BUTACA y escrito por Miguel A. Delgado

No es el lápiz lo que convierte a Miyazaki en único, sino la manera de concebir su arte. Uno duda qué es más difícil: hacer realidad lo fabuloso en secuencias poderosísimas, o hacer perfectamente creíble la amistad entre dos niños.

Hay frases que se terminan convirtiendo en lugares comunes y, en gran parte, en falsedades. Porque si hay algo que se enarbola al mencionar el nombre de Hayao Miyazaki, uno de los mayores magos de la animación de todos los tiempos, es su condición de superviviente irreductible de una época en la que toda la magia descansaba en el lápiz, sin ayudas informáticas ni tridimensionales. Pero se trata de una oposición que pierde gran parte de su razón de ser según con quién se compare: sin que importe la técnica empleada, el mundo de Miyazaki está mucho más cerca del de Pixar que del de otras obras creadas mediante la animación tradicional. ¿Y qué ley rige en ese mundo? La de la posibilidad de dar vida a cualquier historia capaz de ser imaginada sin temor a los caminos que vaya tomando, creyendo en los espectadores (sean niños de cinco años o adultos con ansia de dejarse llevar por la ilusión) y, sobre todo, en la profunda capacidad poética de crear algo que no existe en la realidad.

“Ponyo en el acantilado”, su último título en llegarnos, no hace más que confirmarlo. Las primeras informaciones que leímos de quienes tuvieron la oportunidad de verla en el pasado Festival de Venecia coincidían en calificarla como “menor”. Y sin embargo, después de verla, uno se pregunta cómo puede llevar semejante adjetivo una película capaz de adoptar, sin embarazos de ningún tipo, una narrativa y construcción de personajes dirigida a los más pequeños. Desde luego, creer que una cinta capaz de mantener sentados ante ella a los más jóvenes espectadores es “menor” significaría que títulos prefabricados como “Madagascar” han hecho más mella en nuestra concepción de qué es lo infantil de lo que parecía a primera vista.

Ante todo, hay una sensación de verdad en lo mostrado, no importa que raye en la inverosimilitud de presentarnos a una pececita con rostro humano y hermanos que se transmutan en olas para llevarla hacia la tierra. Y es que junto a secuencias de ese tipo, poderosísimas, es capaz de hilvanar otras aparentemente más sencillas pero de enorme dificultad, en las que asistimos divertidos al asombro de Ponyo ante cada gesto cotidiano de Sosuke y su madre. Ya puestos, uno duda sobre cuál de los dos aspectos es más difícil: hacer verdad lo fabuloso (en su sentido estricto de fábula) o hacer perfectamente creíble y real la amistad (¿el amor?) entre dos chiquillos.

Uno podría pensar que degustamos obras maestras a espuertas cada semana, si una cinta que logra todo esto puede ser despachada con el displicente calificativo de “menor”. De hecho, lo único verdaderamente triste de todo esto es la sensación de que Miyazaki es ya el último de una escuela, un genio al que aún se le permite hacer lo que quiere porque se ha ganado a pulso un estatus que probablemente nadie más alcanzará (no desde luego su hijo, que en “Cuentos de Terramar” literalmente destrozó el enorme potencial de la obra de Ursula K. Le Guin, aún a la espera de un realizador que le haga justicia). Pero no nos confundamos: no es el lápiz lo que convierte a Miyazaki en único (estoy totalmente convencido de que si, hipotéticamente, un buen día decidiese dar el salto al píxel, su talento permanecería intacto), sino la manera de concebir su arte. Sólo él y la bendita productora de California que citábamos al comienzo siguen siendo garantía de maravilla. Y no nos equivoquemos: no existe ninguna maravilla que sea menor. La maravilla es siempre eso, maravilla. Pura y simple.

PARA EL VIAJERO RECURRENTE: PASABA POR AQUI

2009-04-27T15:51:00.001-05:00

Ovida las imágenes del video, pero no dejesde escucharlo. Pedro Guerra puede ser tan obvio que llega hacer poesia
LaVeitía

UN POEMA DEL PADRE A SU HIJO DE ÉL

2009-04-27T14:42:00.003-05:00

EL MURO SECULAR DE MI SILENCIO
Juan Manuel Oliva Puente, Bayamo, Cuba.

a Hector Manuel hijo

El mundo

es un muro de sombras castradas de gargantas

hoy descreo de este muro y de estas sombras

de los hijos de estas sombras

y tu sigues ahí de al universo toda

sola tierna y sin romperte

el cántaro se asusta de no estar

el iris se quiebra en alas metástasis

del mugido del toro y el ovillo

no quiero comulgar de mis desdichas

y golpeo el muro

de la costilla de un hermano

nace otro hermano

mis huesos no han sido buenos ni dóciles

y aterra la pequeñez de mis voces

le he quemado un dedo al silencio

el grito de mis manos

no escapa de la espiral de luces

de un sólo susto se ha hecho el mundo

las cuencas siguen vacías

y el cristal se suicida de romperse

pero hoy ha parido la ternura

y espero por el grito secular de mi

silencio.

IN TREATMENT: SERIE DE HBO

2009-04-26T13:09:00.003-05:00

Esta es una serie que no deberían dejar de ver.

Es simplemente casi perfecta.

Es una mezcla de cinetelevisión muy bien lograda. Actuación, fotografía, música, dramatrugia, todo es casi perfecto.

Hay detalles, minuciosidad, sutilezas....

Es dura, pega fuerte, indaga a machetazo, viola la privacidad. Hay que estar preprados para recibirla.

Ojalá y me hagan caso y al menos se dispongan a buscar lo que yo traté de decirles.

LaVeitía.

La cadena de pago Fox estrenó en emisión diaria, una serie que se ha revelado como una de las producciones más originales de la marca, 'En terapia', escrita y realizada por Rodrigo García, el hijo de Gabriel García Márquez. La nueva producción, que abre al espectador la intimidad de la consulta de un psiquiatra, supone una vuelta de tuerca al concepto tradicional de serie.

Protagonizada por Gabriel Byrne y Diane Wiest, toda la acción transcurre en un solo espacio -la consulta del psiquiatra- y el conflicto dramático se reduce al diálogo entre dos o, a lo sumo, tres personajes, que desnudan ante la cámara todas sus intimidades. Rodrigo García, realizador de películas como 'Cosas que diría con sólo mirarla' y 'Nueve días', se ha basado en una serie juvenil, producida y creada por Hagai Levi que ha adaptado a la sociedad americana para ofrecer un interesante retrato de personajes propios de nuestro tiempo.

Acá es para bajarla en BitTorrent:http://isohunt.com/torrents/?ihq=in+treatment

Acá están los subtitulos en español de la segunda temporada, a veces tardan en aparecer porque la serie recién está saliendo. http://www.subdivx.com/index.php?accion=5&buscar=in+treatment&masdesc=&idusuario=&nick=&oxfecha=&oxcd=1&oxdown=&pg=7

LA PARTIDA

2009-04-26T11:31:00.002-05:00

A mi amiga Mercedes Arce

tomado de Invitación al Viaje

Nunca se sabe si estamos preparados, pero la partida es siempre una decisión solitaria. No pidamos que nadie la comprenda.

O se apoya incondicionalmente como amigo del alma o se evita asistir a la despedida.

Por eso, para el que parte lo mejor es hacerlo cuando todos duermen. Despierto el viajero, éste espera la rayana del alba para empezar a caminar; nadie asiste a su partida. Luego, más tarde empezarán a echarlo de menos. Le reprocharán por qué lo hizo, buscarán ocultas razones culpables, pero nada será cierto porque no vieron el amanecer que se llevó al caminante.

Si hubieran madrugado como él tal vez entenderían que en la decisión del viajar está también un secreto sólo cifrado por la presencia de un horizonte que no puede ser abarcado de una sola mirada.

Hubiera bastado verlo camino de la aurora, en la que empieza a despuntar una luz aún incierta, para saber cuánta esperanza hay en ese viaje, para reconocer que en todo partir se halla oculta la necesidad de nacer de nuevo.

ALMODOVAR SE LANZA A LAS SERIES

2009-04-26T11:13:00.000-05:00

El oscarizado cineasta español prepara su primera serie de televisión a lo grande, una versión de "Mujeres al borde de un ataque de nervios" producida por FOX.

"Women on the Verge of a Nervous Breakdown", o lo que es lo mismo, "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Un filme de 1988 protagonizado por Carmen Maura y Antonio Banderas que dará próximamente el salto a televisión... americana.

Fox TV Studios y el cineasta manchego Pedro Almodóvar se lanzan a producir una serie basada en esta clásica película española. Mimi Schmir, guionista de 'Anatomía de Grey' y 'Shark', está ya trabajando en el guión del piloto, de una hora, cuyo rodaje comenzará próximamente. Schmir y Almodóvar serán los productores ejecutivos de la serie, que se rodará en inglés para el mercado americano pero con vistas a venderla a otros países.

Se trata de la primera vez que Almodóvar se involucra de esta manera en un proyecto de televisión, aunque su productora El Deseo ya había realizado algunos proyectos para televisión como 'Mujeres' para TVE, dirigida por Dunia Ayaso y Félix Sabroso.

Fox TV Studios adquirió la serie atraída por su pedigrí: "Pedro Almodóvar es sin lugar a dudas uno de los mejores directores de nuestros tiempos, y esta película desborda con personajes y relaciones ricas, complejas y divertidas", ha declarado David Madden, vicepresidente ejecutivo de Fox TV Studios al dar a conocer la noticia.

"Sabemos que la marca Almodóvar será de gran atractivo tanto internacionalmente como localmente", añadió.

La guionista Mimi Schmir, declarada admiradora de Almodóvar, aseguró que la serie de "Mujeres al borde de un ataque de nervios" será "un drama suburbano sobre un grupo de mujeres que se llevan conociendo desde hace mucho tiempo, quizá desde el colegio, que están en el ecuador de sus vidas y miran hacia la segunda mitad de su vida".

Schmir ha prometido mucho humor, como en la película, a la que rendirá homenaje manteniendo alguno de sus elementos. El hecho de que Fox produzca la serie no signifca que sea la cadena la que vaya a emitirlo, puesto que la productora tambien trabaja para otros canales. Tendremos más detalles de la serie de Almodóvar en los próximos meses.